Viatcheslav Chevliakov, la perle cachée de la Russie

Pour les organistes actuels, force est de constater que le milieu parisien ou lyonnais, les enseignements reçus en France voire les tribunes, font plus volontiers les gloires que l’oreille. S’il est indéniable qu’un Olivier Latry, qu’un Olivier Vernet, une Kei Koito méritent amplement leur réputation, qui sait que Viatcheslav Chevliakov est d’une pointure phénoménale ?

Organiste de Saint Léon de Paris, ce russe de trente sept ans (génération de la Perestroïka) a eu le mérite pour s’imposer en France dans sa discipline de refaire totalement son cursus musical. Pourtant il a été auparavant premier prix du conservatoire de Moscou, non seulement en orgue mais aussi en piano, harmonie, ce qui fait déjà de lui l’égal en études des grands interprètes qui tiennent le devant de la scène pianistique internationale aujourd’hui (Lugansky, Berevzosky, etc.). Comme eux, il est une des « bêtes de scène » imperturbables à la technique irréprochable, telles qu’en a toujours produites l’URSS (un enfant pleurait lors du concert qui n’a aucunement perturbé son jeu !)

Mais ce n’est pas tout : c’est aussi une sensibilité magnifique. Comme le pianiste Mikhaïl Rudy, entendu aux Nuits musicales de Cimiez, Viatcheslav exprime la plus belle musicalité à travers l’harmonie et l’analyse du matériau thématique. Cela fait toute la différence avec l’école française (peut-être plus superficiellement dans le sensitif), cela s’entend d’emblée : on sait d’où l’on part, on sait où l’on va, on comprend l’écriture de l’auteur. C’est ce qui fait le souffle épique de son élocution et l’impression narrative qui ressort de l’écoute. Et surtout, quel romantisme dans les phrasés magnifiés par la tenue de main ! Tenue du poignet souple, marque des grands professeurs moscovites !

Ne soyons pas étonnés que la Russie ait produit un tel organiste – qu’assurément les jalousies chauvines n’ont pas encore mis à sa place ! – car ce pays a, depuis l’époque romantique (redécouverte de Johann-Sébastian Bach), un amour intellectuel (et non religieux) pour cet instrument. Qui sait que Tchaïkovski a appris à écrire la musique sur l’orgue à Saint-Pétersbourg ? Qui sait que le conservatoire de Moscou s’est doté très tôt d’un magnifique Cavaillé-coll inauguré par Camille Saint-Saëns ? C’est sur cet instrument que Slava Chevliakov a trouvé sa vocation, et il n’est pas étonnant qu’à l’époque du Dégel, il fût attiré par la France et qu’il décidât d’y faire sa carrière. Aussi, ce qui fait de cet organiste un cocktail détonnant, est l’acquisition des plus belles élégances françaises à la musicalité profonde russe.

On comprend que l’entendre à Notre Dame de Paris ce dimanche 8 décembre était capital : une rencontre entre un magnifique instrument et un interprète de talent. Le public ne s’y est pas trompé qui l’a ovationné, tout emporté par cette Epopée. Que dire de la Symphonie de Vierne du début ? Un rythme échevelé, une orchestration superbe, des crescendi émotionnels. Le Prélude de Franck ? des basses mélancoliquement posées, des lignes mélodiques en legato, vocalement menées, une merveille toute en nuances sur les vieux fonds romantiques célèbres de la cathédrale. Les Métamorphoses de Mödler, pièce contemporaine : un choix de la belle harmonie ! Mödler, quoique très moderne, pousse au plus loin les acquis des retards romantiques. On entend deux thèmes fameux dans cette œuvre : « Christ gisait dans les liens de la mort » et le « Dies irae », le tout entrecoupé de récitatifs déchirants.

Viatchelav Chevliakov est le meilleur défenseur de la musique organistique russe. En 1999 on l’avait entendu à la cathédrale de Monaco interpréter l’œuvre de Mouchel donnée ici à Paris. Georg Mouchel est issu d’une famille descendante d’un soldat napoléonien. Il fut exilé en Ouzbékistan par le régime communiste. A Monaco, nous tenons à le dire, Chevliakov avait aussi permis de découvrir les préludes intimes et désarmés de Poltoratsky, compositeur mort très jeune, d’une profondeur égale à Chostakovitch. La suite ouzbèque de Mouchel est un chef d’œuvre plus formel. L’aria, par exemple propose d’emblée une rythmique souple et particulière que l’on croirait écrite par l’un du groupe des Cinq. Dès la première phrase, tous les éléments de l’architecture développée sont annoncés. Il en sera de même pour la toccata, dont le dernier accord permet à l’auditeur de prolonger indéfiniment dans sa tête ce thème inoubliable, facile et pourtant si riche, égal de ceux de Stravinsky et Prokofiev. Grande architecture, parfaite simplicité, violence taillée au couteau : essence même de la Russie des années 20 à 50. À noter que l’édition de Peters est en deçà des éditions originales inaccessibles d’après lesquels joue, évidemment notre interprète !

Enfin, sous les doigts et les pieds de Chevliakov, la toccata de Gigout, pièce typique de l’inspiration parisienne post-romantique, décharge, dans son énergie contenue par le pianissimo initial, le frisson des éclairs au milieu d’un ciel lourd et finit par rugir en des accords redoutables à l’équilibre des vitraux de Notre Dame de Paris !

Une fleur malade d’ombre : le philharmonique de Montecarlo en attente

Adieux, aspirations et transition

Avant d’aborder ce que produit en ce moment le magnifique philharmonique monégasque, on voudrait dire ici deux mots sur le départ nostalgique de l’élégant Monsieur Walter Coomans, directeur de la programmation, lequel survécut quelques mois au départ en beauté du chef Marek Janowski pour les mémorables Gurrelieder de Schoenberg. C’était dans une soirée Bernstein exceptionnelle, tous les chanteurs étaient en chemises multicolores décontractées, ils entraînèrent au bis tout le public pour danser dans l’auditorium… Déjà, au tout début, très ému, l’homme des si belles programmations pour les années Janowski, remerciait jusqu’aux machinistes, car c’était un humble, un qui savait la valeur de tous. Les affaires culturelles de Monaco étaient présentes, Monsieur Rainier Rocchi fut lui aussi salué de Walter Coomans. Aussi, c’était sa fête, et l’on vivait tels les rythmes jazzés de Bernstein sous la baguette swinguée du non moins carrurée du Maître Wayne Marshall … Adieux émouvants donc. On se serait attendu à ce qu’un responsable si raffiné fût honoré d’une décoration pour son travail, mais la page était déjà tournée, à Monaco, on voulait résolument aller vers un chef d’orchestre jeune, une programmation moins ardue, on reconnaissait que le mérite de Marek Janowski fut d’élever très haut le niveau de l’orchestre tout en attendant une brise légère et plus italianisante.

Emotion romantique et plaisir pour cette année

Or la saison transitoire de cette année, belle et sous le nom « émotion depuis 1856 », propose, à l’image de la harpe en boucle d’oreille de l’affiche, une relecture des plus merveilleux classiques en compagnie de prestigieux invités, les plus brillants sous les feux de la rampe. Une année plaisir.




Qualité mais manque d’inspiration

Notre concert : loin d’être mauvais évidemment ! qualité et plaisir lui-même se sont invités indéniablement et plusieurs auditeurs ne virent que du feu … le feu jouissif avec au programme l’élégant Nikolaï Lugansky qu’on a eu l’occasion de critiquer pour Resmusica.com il y a quelques années. Même constatation : pianissimi ravissants, délicatesse extraordinaire et technique phénoménale. On peut même dire qu’il est le plus français de tous les Russes. C’est poétique, mais cela manque de poids, non pas simplement lorsqu’il s’agit de faire ressortir la force sarcastique d’un Prokofiev (merveilleuse capacité donnée à une Ludmila Berlinskaïa ou à un éreintant Denis Matsuev), mais aussi pour quitter l’esprit superficiel… Ce pianiste est trop doux. On ne peux qu’admirer la prouesse, l’élégance, la musicalité, en regrettant ce supplément existentiel, pourtant fil conducteur du deuxième concerto de Prokofiev. Ce pianiste était tout à fait à son aise dans les rêveries à la Caspar David Friedrich des années 1840 : l’intermezzo schumannien du Carnaval de Vienne, en bis ici.


Emmanuel Krivine, à la baguette, ne nous a pas plus convaincu. Dans l’ouverture « Le Corsaire » de Berlioz, était-ce la difficulté du compositeur à la première écoute ou le chef ? Est-on réellement emporté par le romantisme échevelé tout de convenance ? Pour la neuvième symphonie de Dvorak, c’est bien la célébrité de l’œuvre qui en fit le succès du soir, car le tout est acquitté d’une lecture intelligente sans plus. On a entendu dire par quelques langues moins consensuelles : « il a joué trop vite les allegros, trop lentement l’adagio ». Non, du tout, tout était au bon pas ! Mais jamais habité tout simplement ! Le chef, plus analytique que romantique, semble mettre tout élément sur le même plan : plus d’intensité émotive, de poésie tapie, d’inquiétude surgissant dans les contre-chants de l’auteur. Le final fut peut-être tout particulièrement peu réussi, l’effet étant coupé par un accro des cuivres (l’élément qui a toujours amené un peu de faiblesse dans cet orchestre si beau), il ne restait de l’œuvre que les efforts du compositeurs pour résumer tous les thèmes en même temps avec une simplicité frappant l’imagination.

Mais bientôt, avec un nouveau chef et jeune, se lèvera le nouveau soleil de cet orchestre ! Pour l'heure, on a l’impression, et ce depuis le si mauvais concert Bela Bartok au festival du Printemps des Arts, (une intégrale trop gourmande travaillée à la vas vite sous les commandes d’un chef mal compris) que l’orchestre est une beauté laissée à l’attente, une fleur malade d’ombre.

Combas poète cinéphage

La féerie du monde imaginaire de Combas n’a d’égale que sa force symbolique et psychologique. Comme Ben, Combas a lancé en 1979 le mouvement de figuration libre. Il commence à Saint-Etienne avec des Mickeys puis, à Paris, il est frappé par l’iconographie ethnique des enseignes populaires. Pour lui, un peintre naïf, quand il est tellement mauvais, en devient bon parce qu’il exprime au-delà de sa volonté. On le voit : Combas est aussi poète et rimeur. Son dessin, pas tout à fait naïf, part de la bande dessinée pour sortir du réalisme et se tourner vers l’abstraction mais avec une force brute, sexuelle, rock et plongée dans notre monde vulgaire. Evidente influence de Picasso, de l’art africain, du Pop-art mais aussi et surtout une imagination foisonnante proche de la culture de l’Amérique latine ou la candeur des gravures grossières des XVI° et XVII° siècles. L’utilisation du noir pour les contours, marque personnelle, a trouvé à Cannes dans cet hommage au Cinéma un degré de sophistication radical. Les personnages en sont à la fois lumineux et prisonniers dans leur foisonnement de péripéties et d’humours sarcastiques. Ce qui frappe, notamment dans la grande salle, c’est que sa technique de contraste est aujourd’hui si poussée que l’on a l’impression à la fois d’un bas-relief mais aussi d’une pellicule de film, en négatif, éclairée par une lumière derrière l’œuvre. On peut aimer, ne pas aimer, mais comprendre l’artiste est une belle démarche artistique : une expérience forte.

Cannes Malmaison

Chagall, le poète marieur

Le poète de la peinture Marc Chagall n’a jamais cessé de porter son regard d’enfance sur le monde, il puise son inspiration dans l’amour de son village russe toujours présent et protecteur. Il y connut les animaux domestiques. Son père vendait des harengs, son oncle boucher apaisait les vaches d’un mot doux pour l’épreuve de la mort. Il les mélangea à sa culture juive pour peindre toute son expression de l’amour, du couple, de l’acte charnel, du bonheur et de la souffrance. L’humanité des animaux leur donne des bras pour jouer du violon, tenir le chandelier comme figure tutélaire au moment crucial du mariage, symbole de « La vie ». Dans une série d’esquisses, le repas sous le toit de la maison et la lampe, le vagabond, l’union, la fête, l’au revoir sont « La vie ». Le bouc est le peintre exilé et missionnaire. Le coq est le peintre qui va vers le renouveau mais c’est aussi le lit protégé des époux. Le poisson tenant le parapluie est comme le messager de Dieu qui veille. Levé de soleil sur le village, village dans le ventre du coq, couple dans ses plumes, époux-horloge comme Christ-horloge (symbole des juifs sacrifiés) sont poésie de la vie qui passe. Ce n’est que la tendresse, l’espoir, le nid musical, fleuri, animal, de l’unique et première chimère, première figure hybride de Marc Chagall : les époux. On dirait que tout le cœur de Chagall s’est cristallisé dans son ressenti sous la tente du mariage. Et tous les animaux et les anges ne font que veiller sur cet unique moment de fusion comme sur une nouvelle naissance.

Nice, Musée Chagall

Arts et souffrances de l'Arménie

Le théâtre de la photo participe à l’année de l’Arménie par le témoignage dur de quatre artistes. La beauté solitaire et pierreuse de cette terre tinte de noblesse chaque détresse, chaque horreur. Là des entrailles sous la main des médecins, là un soldat nu se lave sans déposer sa mitraillette. Ruben Mangasaryan isole une église détruite par le tremblement de terre de 1988, centre sur un enfant les impacts de tirs autour d’une fenêtre, arrête la marche innocente d’un accordéoniste qui sera mort la semaine suivante, montre les visages noircis d’une familles réduite à se chauffer avec des sacs plastiques (clichés finalistes aux grands prix internationaux de Reportage Humanitaire). Max Sivaslian hisse le capuchon esseulé d’un archevêque comme symbole d’une région, le Haut Karrabakh, martyrisée par les guerres sans obtenir son rattachement à l’Arménie. Six camps de détresse dévoilent leurs tendresses et leurs peurs dans une série qui porte le nom traditionnel des camps de concentrations soviétiques : « ils sont assis ». Karen Mirzoyan montre le dénuement de l’équipe de football arménienne qui se douche avec un tuyau d’arrosage et quelle triste maison est un château pour chaque enfant. Patrick Artinian part aux traces de Khatcher son grand père dont les années d’errances lors du génocide furent marquantes à travers les générations. Cent paysans révoltés sous la neige sont, malgré eux, une certaine beauté : expression d’une terrifiante épopée, âme d’un peuple et fierté du regard engagé des artistes.

Nice, théâtre de la Photographie

Matisse : fertilité de la grenade

Le musée Matisse, fraîchement climatisé, beau et lumière, propose cet été une exposition bouleversante parce qu’elle nous fait entrer dans le cœur de la poésie de Matisse. Est recrée l’année 1947 à la Villa le Rêve à Vence dans une « rencontre » de deux œuvres, l’une actuellement à Düsseldorf et l’autre au musée de Nice. Des palmiers donnent sur la fenêtre, symbole des couleurs et des formes concentrées. Dans Intérieur Rouge, nature morte sur table bleue (l’œuvre invitée) le rouge est irradié de stries noires, flashs électriques. Incandescence qui annonce le chef d’œuvre de Nice, Nature morte aux grenades, où la lumière rouge devient noire, le ciel encore plus bleu. Placées au premier plan, les grenades dans leur orange nécessaire sont une essence vitale, comme les oursins de Picasso au musée d’Antibes. Fécondité, féminité, seins emplis de chair, Aphrodite, Vierge mais aussi Afrique du Nord et Méditerranée sensuelle, les grenades sont prolongées par de superbes toiles d’autres peintres fascinés, comme Desportes au XVIII° siècle. Arras, Lille, Valence, Bâle, Washington les ont prêtées, le Louvre une poterie de Corinthe, époque de Périclès : quatre grenades liées par un serpent. De grenades passionnelles, Matisse illustre encore, de la fleur jusqu’au fruit, les affres de la religieuse des Lettres portugaises. « Je vais en ce moment, dit Matisse, tous les matins faire ma prière, le crayon à la main devant un grenadier. Et je fais en sorte de rendre évidente pour d’autres la tendresse de mon cœur. »

Nice, Musée Matice

Barcelone : feu intellectuel

En 1947 Maeght exposait Miró à Paris, en 1974 il crée à Barcelone une fondation. D’où à Vence cette imposante exposition de 60 ans de peinture en Catalogne. Raison-passion, sensualité-intellectualisme. Miró mène la danse : souveraine « joie d’une fillette devant le soleil » ! Années 40 : Tapiès fait surgir les yeux du chat. Ponç étête une perdrix à coup de fouets jaunes, comme Cuixart, il peint des hallucinations sexuelles. Époque résumée par 3 hommages de Tharrats : végétal pour Gaudi, stellaire pour Alban Berg, en fond marin pour Paul Klee. C’était le mouvement « Dé au sept ». Zush est l’héritier de cet art : ses langues mêlées des années 90, ses yeux rieurs sont d’un inconscient dissocié. « Mai 68 » : les jeunes et austères conceptuels. Plus charnel, le mouvement minimal autour de Broto aux signes cabalistiques orange monumentaux. Un film catalogue de Samtos : paupérisme pour les costumes du pianiste, de la sœur au pompier ; répétition minimale des notes « la ré mi la ». C’est maintenant l’Arte povera : sommier, grillages …par Tapiès ! 1980 : Amat est post-Gaudi pour sa maison pulpeuse avec seins au lieu de tuiles. Barcelo peint « Mapa de carn » : Un oiseau-flamme à 3 yeux domine un homme noir, dévoreur d’un cheval-loup dont l’estomac et les poumons deviennent personnages, bouches, louve, fuites et rencontres sur fond d’une ville en feu. Parmi les jeunes, Pimstein propose un délicat marais japonais, Fontcuberta roches et eaux d’après le crépuscule de Dali, les bleus de Pollock. Sévilla réinvente Miró en culture aztèque.

Vence, Fondation Maeght