Musique et diplomatie
Le festival que dirige John Fox chaque septembre à Beaulieu-sur-Mer n’a pas son pareil pour impliquer le gratin des politiciens et des diplomates mais aussi les nombreux berlugans d’origine étrangère. Cette année, à Beaulieu, l’Ambassade du Royaume-Uni s’est rapproché de l’Ambassade de Russie. Marquis, excellences, amiraux, préfets et ambassadeurs font partie du comité d’honneur. Ils investissent les derniers palaces de la Riviéra, évoquant cette Belle-Epoque où il était de bon ton de goûter à Beaulieu les loisirs de la mer, entre deux concerts de salon. La vie mondaine et l’activité musicale se sont naturellement mêlés. Et l’idée d’un programme centré sur la présence des compositeurs russes à Beaulieu est évidemment pertinente.
Une pluie so british n’éteint pas les flammes du carnaval de Rio (Samedi 17 septembre)
Le temps sur la côte d’azur s’est fait automnale, de sorte que le grand concert en plein air pour l’ouverture du festival de Beaulieu fut rapatrié en l’église du Sacré Coeur. Mais attiré par la gratuité initiale, le public fut très nombreux au rendez-vous. John Fox a bien fait de choisir un monument somptueux pour débuter le festival : la Sérénade pour corde de Tchaïkovsky. Elle est interprétée par l’Orchestre Régional de Cannes Provence Alpes Côte d’Azur sous la baguette de José Ferreira Lobo, invité pour l’occasion. Quoi de plus XIX ème et aristocratique sous les fresques d’Épinal de cette belle église. Mais l’acoustique n’y été pas, tout se perdait, d’autant que le choix du chef fut le pathos, l’ampleur, la lenteur tel un final de la symphonie pathétique. Il ne restait rien de la finesse d’écriture aérienne de l’œuvre. De Stravinsky, la suite Pulcinella, pergolésienne (expérience de réappropriation du baroque) avec sa délicatesse d’orchestration, mélangeant vent et cordes, permettait de mieux se repérer dans l’acoustique tournoyante, bien que le duo des cuivres et des contrebasses ne pouvait rien donner ici. Délicatesse aussi pour l’orchestre qui dans une telle situation n’a pas pu dominer complètement la difficulté de l’ouvrage et se révèle bien en deçà de sa brillante performance aux Victoires de la Musique cette année. Cependant, enchaîné sans pause pour faire office de bis, captant à nouveau l’attention du public fatigué par les chaises, un boute-en-train Bœuf sur le Toit de Darius Milhaud, polytonal et racoleur, pousse la foule aux délires libidineux du carnaval de Rio. Tout le monde oublie les sièges, ovationne et repart plein de très belles mélodies en tête, prodiguées autant par les Russes que par ce Français bizarre qui s’amuse des rythmes latinos, évidemment si bien placés sous la baguette d’un chef portugais !
Colonnes grecques pour un Ravel pluvieux (Dimanche 18 septembre)
Un « jardin sous la pluie »
La pluie continuait à battre le lendemain, mais elle ne faisait qu’ajouter au charme d’un concert dans un atrium grec, un patio à ciel ouvert aussi beau que ces originaux romains que chacun connaît à Pompéi, mais ici tout de marbre blanc, fait de colonnes cannelées doriennes qui jouent avec les ombres du soir, celles des feuilles de l’unique arbre qui pousse à même le marbre à côté de la fontaine centrale. On se sentait chez soi dans cette villa Kérylos du musicien et philologue, Théodore Reinach, reconstitution au dix-neuvième siècle à l’identique des modèles grecs. On s’imaginait être Télémaque au pied du foyer de Ménélas : il écoutait les récits d’Hélène qui dévidait sa pelote de laine et se rappelait de son séjour à Troie. Tout y est raffiné et chaleureux, jusqu’aux chaises blanches pour le public, les fresques pâles qui évoquent des mondes oubliés, des mosaïques au sol : nous étions là avec l’humidité chaude de ce temps méditerranéen, le sublime antique et la musique, sans compter l’acoustique extraordinaire, proprement un gigantesque coffre de résonance grâce aux riches caissons de bois des plafonds ! Quel cocon : on entendait la musique dans les murs, le son était lumineux, amplifié et très précis.
Si ce fut parfait pour les auditeurs, pour les musiciens ce devait être une véritable « galère » que de jouer devant la pluie qui tombait au centre, entre eux et le public, faisant une douce et mélancolique percussion, ajoutant à l’atmosphère du concert mais mettant à mal les cordes du violon et du violoncelle. Le violon, Jan Orawiec, avait des phrases d’une infinie musicalité, le violoncelle, Sébastien Van Kuijk, une grande générosité et une forte chaleur, le pianiste, avec un toucher bondissant et délicat, une technique parfaite (et si jeune !) emporte la palme : Jonathan Bénichou. C’est un nom qui se répandra dans le monde de la musique.
Un programme hétérocite
Ravel avec son trio contribua à envoûter le public se mêlant à la magie du lieu : les basses de la passacaille au piano et bientôt mêlées de violoncelle, n’en finissaient plus de répondre à la lumière violette du ciel et aux candélabres d’albâtre « façon antiquité » des angles du péristyle. Il aurait fallut resté à ce degré de poésie. Pourtant au nom de l’amitié écossaise et en prolongement de la conférence de l’après-midi, on donna trois lieders de Schubert sur des textes d’Ossian, difficiles d’accès, pleins de récitatifs et interprétés avec classe et vigueur par Brian Bannatyne Scott. Cette belle basse fut accompagnée au piano par Errol Gidlestone qui démontre en cette humble fonction qu’il est tout autant un chef d’orchestre remarquable (cf. deuxième Chronique du sud, la Petite Renarde rusée de Janacek).
Le jeune trio précédant, trio Eiffel, revient pour présenter un maître de l’école du violoncelle russe, natif de Beaulieu, Louis Abbiate à qui le concert est dédié. Fort heureusement, pour éviter les longueurs des écritures du temps, il ne présente qu’un magnifique Andante qui vaut la poésie du début du concert : le public est émerveillé, l’écoute et facile et envoûtante : c’est un compositeur, maître du père de Rostropovitch, à redécouvrir d’urgence. Quant à Anton Stepanovitch Arenski, entre Tchaïkovsky et Rachmaninov, c’est musicalement un jeune homme attachant (étrange scherzo dont la partie médiante est une valse joviale), mais l’œuvre souffre de beaucoup de longueurs cependant que la fougue des jeunes interprètes permit d’achever le concert dans la même tonalité de grâce et de bien être qui fit de la chaleur mouillée de cette soirée une réussite réconfortante
Les bons élèves de l’école Galina Vishnevskaya (Lundi 19 septembre)
Puisque le programme était un tiers russe, un tiers français, un tiers italien toujours sous le regard des anglais, voilà une soirée « prikrasnoïe », « piacevole », «pleasant »… « complaisante » ! Borodine, Rimsky-Korsakov, Glinka, Tchaïkovsky, Rachmaninov, Shishkin, Moussorgski, des chansons du folklore, Gounod, Saint-Saëns et Bizet, Verdi… C’était en présence d’un auditoire fait d’un gratin bienveillant (dont le célèbre pianiste accompagnateur Baldwin) pour ces jeunes étudiants qui mouillent leurs chemises … voici donc l’école de la grande Galina Vishnevskaya, épouse de Mstislav Rostropovitch, dite l’académie du théâtre lyrique Galina Vishnevskaya, sous le regard de sa directrice adjointe Elena Opokorva mais non pas de la star retenue « à l’improviste » pour quelque dîner en compagnie d’un Jacques Chirac et d’un Vladimir Poutine. Mais elle fut tout de même applaudie pour avoir téléphoné toute la journée, soucieuse du bon fonctionnement de l’affaire et du travail de ses bébés. Ce n’est pas sans obligation que d’avoir eu une carrière si importante ! Che stanchezza !
Choisis tous directement par John Fox à Moscou dans un concours à « monojury » parmi vingt candidats, les quatre chanteurs furent merveilleux, le cinquième ajouté par supplication de la grande enseignante, a encore du chemin à faire. Donc se sont des élèves qui passent presque tous de loin le niveau d’excellence que l’on exige de tout concert, en définitive une soirée qui en est une réussite. Nota bene : n’oublions pas de lapider la solide pianiste Alla Basargina pour avoir « transcris la transcription » lors des tournes de pages en négligeant quelques basses : un tourneur de page n’est pas un luxe par respect pour les autres !
Naturellement comme toute école il faut bien chercher là où les progrès sont à faire. En premier la prononciation du français et de l’italien, terrible ! Cette heure là, on entendit « Salit au domeuré chasté piré » ou encore « verse l’ivrèze ». Des échanges d’écoles, des stages dans les pays et encore le futur travail dans les théâtres pour ces voix faites pour des grands vaisseaux se chargeront de remédier à cela. Ensuite peut-être la tenue des mains, pour certains à gérer encore. C’est peu de choses. Il est couru que la pédagogie russe et son vivier sont compétitivement parmi les meilleures :
1°/ La soprano Tatiana Metlina a une voix au timbre splendide, typiquement russe, clair et sombre à la fois, comme de l’or rouge, un rubato qui peut ne pas plaire mais tout aussi typique. Très appliquée, elle s’écoute et produit des airs parfaits avec de beaux effets, mais voilà : il manque ce petit quelque chose de joué et de spirituel qui fait tout le charisme des belles voix comme la sienne.
2°/ Le baryton Yuri Baranov joue alla Del Monaco, il aime le théâtre, sa présence est forte, sa voix puissante et brutale au sens positif du terme, sa technique exceptionnelle, il aura une grande carrière lyrique.
3°/ La basse Alexey Tikhomirov, physiquement immense – on s’imaginerait un officier des sous-marin soviétiques de légende – est aussi une voix pittoresque, un véritable trente deux pieds (registre de l’orgue qui sonne trois octaves plus bas !). Il a une grande musicalité, un jeu de scène noble. Il faut retenir de sa prestation la « chanson de la puce » de Moussorgsky. Moussorgsky faisait rire ce soir : tous les russes de l’assemblée s’esclaffaient de sa spiritualité, les français de la gestique et des effets musicaux, mais l’harmonie ! elle disait autre chose… la Russie pleure en riant, c’est déjà l’esprit de Chostakovitch qui se glissait insidieux dans une soirée innocente.
4°/ Le ténor George Protsenko a un timbre rare est magnifique (avec de l’intelligence et sans pousser la voix, ce serait un bon mozartien…), mais la technique des aigus est à revoir, s’il veut chanter longtemps ; la justesse n’est pas toujours là et malgré le renfort de belles phrases bien facturées, la compréhension expressive du sens des mots et l’avancée agonique des pièces est absente. Dans les pièces d’ensemble, sa voix, épuisée, eut du mal à suivre comme dans le quatuor du Rigoletto de Verdi ou le quintette slavon (musique sacrée « gospodje ») chanté en bis. Enfin sa beauté physique proche d’un Chopin était gâchée par une tenue de main aussi précieuse qu’un dandy du XIXème siècle à la Huysman.
5°/ La mezzo soprano Oxana Kornievskaya est le clou de la soirée : quelle rareté une voix aussi profonde et belle, un jeu aussi présent ! Dès que commença l’air de Carmen, finis les problèmes de prononciation… on sentait que précisément c’est par cet air que cette femme à voulu être musicienne, elle dut l’écouter, enfant, dans toutes les versions, amoureuse de sa portée philosophique. Bizet avec cet opéra offrit aux femmes un grand espace de liberté, il n’est que de remarquer le nombre de robes rouges portées par les auditrices à chaque représentation de l’œuvre ! C’est l’identification au mythe, et c’est encore plus beau quand la chanteuse participe.
Le quatuor Borodine plane dans les sphères spirituelles (mardi 20 septembre)
60 ans d’existence fait un son, pur d’une même voix, comme un toucher léger et sensible d’un seul pianiste. Nous parlons du quatuor Borodine qui fête son anniversaire, le protégé de Chostakovitch. Sa réputation est le raffinement même. A l’âge de quinze ans, le violoncelliste Valentin Berlinsky y entrait, à 75 ans, il est toujours là pour assurer la pérennité, et les nouveaux sont déjà de bons vétérans. Ils commencent : on a l’impression que, placés là ou ailleurs, ils sont dans l’éternité, entre eux, dans un seul et unique lieu qui est leur relation. Pour être encore plus impressionné de ce phénomène lisez l’interview de Valentin Berlinsky et de sa fille Ludmila Berlinskaïa, jointe, en sa belle personne, à la soirée pour le quintette de Chostakovitch.
C’était si intime que le public était quasi persona non grata, surtout au début pour l’interprétation du quatuor du compositeur patronyme. Il est vrai que cette œuvre est aussi difficile que belle, à première écoute l’exigence est haute et, souvent, par facilité on se laisse aller à n’écouter seulement que la perfection du jeu, notamment le son du premier violon si proche même de la sonorité du stradivarius de Mendelssohn, entendu il y a peu à Monaco (lire seconde chronique de l’été). Mais les profanes pouvaient s’éveiller aux trois pièces de Stravinsky : un visage provocateur du Picasso de la musique. Force sons harmoniques, glissandi et effets percussifs, le tout tantôt grotesquement dansant, tantôt excentrique, tantôt extatique comme un cantique.
La captation des bonnes volontés faite, c’est maintenant la pièce de résistance. Il n’y a pas de mot pour parler de la musique de Chostakovitch qui semble ne converser que de la mort, il n’y a pas suffisamment de place encore ici, mais lisez les sentiments ressentis par Ludmila Berlinskaïa dans son interview qui vous en dira mille fois plus qu’une longue analyse. Qui trouvera ce texte trop court ne pourra que regretter de ne pas avoir été là, seul Beaulieu sur la Côte d’Azur se permet en ce moment d’inviter de tels représentants du patrimoine humain. Qu’attendent les voisins ?
INTERVIEW
La philosophie du quatuor et le piano « pas gentil » de Chostakovitch
A l’issue du concert du Quatuor Borodine dans un très beau salon fait de fauteuils de velours, ResMusica recueille les propos d’une haute teneur philosophique de l’héritier d’une tradition, Valentin Berlinsky et de sa fille, vive et talentueuse, Ludmila Berlinskaïa, laquelle de bonne grâce se prêta au rôle de traductrice.
Une question sur la pérennité de la tradition : les jeunes ont-ils le bagage pour reprendre le flambeau ?
Valentin Berlinsky : Ce n’est pas facile, il faut trouver les gens qui peuvent vous comprendre à cent pour cent, c’est comme les maçons.
Qu’apportent-ils de neuf qui vous enthousiasme ?
VB : Toujours les nouveaux sont des impulsions nouvelles. Il ne faut pas oublier que chaque musicien qui vient apporte son individualité et des qualités différentes. Mon but dans le quatuor c’est de garder la même tradition en composant avec tout cela.
Et parmi les autres quatuors que voyez vous de neuf ?
VB : Dans les nouvelles générations des autres quatuors, il se trouve beaucoup de bons musiciens qui apportent des éléments différents que ceux établis par la tradition. Il y a des choses où je suis d’accord, d’autres que je ne peux pas accepter. Par exemple, il est très à la mode de faire des transcriptions, pas seulement pour grand orchestre mais aussi en ajoutant des éléments extérieurs au quatuor, comme des éléments théâtraux et cela je ne l’accepte pas parce que pour moi la musique classique pour quatuor est éternelle comme les tableaux de Rembrandt, c’est un affaire sacrée.
Il y a une philosophie du quatuor ?
VB : c’est tout à fait le mot approprié, et si l’on pense avec beaucoup de sérieux, il faut considérer que le musicien du quatuor se consacre littéralement à son art. Il ne faut jamais croire que les musiciens de quatuor peuvent gagner beaucoup d’argent. Malheureusement c’est une tendance de beaucoup de jeunes de s’imaginer d’avoir du gain, ils sont dévorés par l’argent, ils s’engagent dans cette voie avec des pensées tout à fait éloignées de la vraie discipline.
Nous parlons de jeunes et de philosophie, du coup notre thématique de questions se scinde en deux : d’abord la philosophie : quel principe préside à votre choix d’œuvre en commun ?
VB : C’est un processus, un « procès » très intime, c’est comme le sexe. De nos jour l’amour est devenu trop public. Or comme dans toutes les relations dans la famille ce n’est pas quelque chose qu’il est bon de montrer aux autres. C’est une alchimie interne. Evidemment il arrive que l’un d’entre nous ne soit pas d’accord et chacun des quatre essaye de donner des arguments pour convaincre, ou propose quelques idées neuves. Il arrive quotidiennement que des idées bien vienne de chacun des quatre. C’est en tout cas un procès sans fin, toujours en action.
Ensuite nous revenons aux jeunes pour achever le thème de la nouveauté : quels quatuors jeunes vous plaisent et dans quels répertoires ?
VB : Ardeo, les quatre filles françaises et le Danel quartet, aussi en Russie tout ce qui a une dominante romantique, Belcea, Aviv dans le son surtout. A propos de mes élèves j’aurais la pudeur de ne pas parler, mais je connais bien Danel quartet : ce qui me plait surtout c’est qu’ils jouent beaucoup de Chostakovitch, c’est très important, ils sont très professionnels et sérieux. Je trouve aussi que Aviv est top. (j’ai vérifié tous les nom sur internet)
Il y a une grande ambiguïté entre le sens que la propagande voulait donner à l’œuvre de Chostakovitch et leur réel sens profond. 1) comment les musiciens vivaient cela ? 2) Comment l’état le ressentait ? 3) comment Chostakovitch jouait de cela ?
VB : Pour les musiciens collègues, chaque nouvelle œuvre était toujours très importante par contre l’état soviétique n’avait pas la même réaction. Comment lui-même réagissait-il à tout cela ? je ne le connaissais pas profondément en tant qu’homme mais je l’ai vue souvent dans des situations bien différentes : dans son cercle de proches il était complètement décontracté, je dirais « déshabillé » en particulier il aimait rire. Dès que quelqu’un qui ne le connaissait pas s’approchait, l’ambiance dans la pièce devenait complètement fermée. Cette réaction était probablement liée à sa relation avec l’état et à son vécu. Pour mieux illustrer mon propos je vais vous raconter une histoire : un jour nous nous sommes retrouvés à Londres dans un grand jardin, et je lui parlais de ce que je connaissait Luigi Nono et sa belle épouse la fille de Schoenberg, ils habitaient à Venise. Luigi venait de me dire qu’il avait envie de faire un quatuor pour notre formation et je conversais de cela avec Chostakovitch. Il s’est arrêté, il a réfléchi une minute « est-ce que vous avez joué tous les quatuors de Haydn, Mozart et Schubert ? » le total devait bien faire au moins quatre vingt trois œuvres - « même une vie entière ne peut suffire pour jouer tout cela », répondis-je - « d’abord jouez tout ça et ensuite vous pourrez jouer Luigi Nono ». Cela ne veut pas dire que personnellement il n’aimait pas la musique de Nono, au contraire. Mais cela revient au même de ce que je disais tout à l’heure c’était un enseignement pour rappeler que le quatuor, la musique, c’est quelque chose dans cette existence sans laquelle on ne pourrait pas vivre. Cela fait trente ans déjà et je n’ai même pas encore pu jouer tous ces quatuors !
Mais que la musique de Chostakovitch avait un message sur la mort à exprimer, on le ressentait déjà à l’époque malgré la propagande ?
VB : Souvent oui, pour le public c’était manifeste, le plus grand nombre était bien au courant du sens de sa musique, le gouvernement même s’en rendait compte mais il comprenait aussi qu’il est dangereux de toucher à un génie. Ils ont bien essayé de la changer. Il fut obligé de rentrer dans le parti communiste et ce fut une tragédie pour lui, on a des écrits des lettres à des amis qui sont un témoignage poignant de ce qu’il souffrait d’être membre, mais en même temps pour pouvoir continuer, que pouvait-il faire ? il était obligé à un compromis avec l’état.
Avec la perte des valeurs et de vécu de ce temps, peut-on encore comprendre l’œuvre de ce compositeur aujourd’hui ?
VB : Au contraire, je pense que sa musique est devenue encore plus importante, plus riche : c’est un grand classique pareil à Mozart, Tchaikovsky. Sa philosophie était une prophétie de tout ce qui allait arriver et du futur.
Pour nous occidentaux nous ressentons une force oppressante qui marche dans la musique de Stravinsky, Prokofiev, Chostakovitch. Pour vous russes, ressentez vous cela aussi ?
VB : je vous ferai deux réponses. D’abord personnellement, en tant que musicien russe, c’est ma nature, c’est pour moi la même choses que Pouchkine, c’est le même sentiment quand je le lis. D’ailleurs moi même c’est ces sentiments qui me meuvent quand je joue de la musique. Ensuite la question que vous avez posée, c’est la question que je voudrai poser à eux-mêmes quand je les retrouverez là haut, même à Mozart aussi je voudrais poser des questions !
Le festival que dirige John Fox chaque septembre à Beaulieu-sur-Mer n’a pas son pareil pour impliquer le gratin des politiciens et des diplomates mais aussi les nombreux berlugans d’origine étrangère. Cette année, à Beaulieu, l’Ambassade du Royaume-Uni s’est rapproché de l’Ambassade de Russie. Marquis, excellences, amiraux, préfets et ambassadeurs font partie du comité d’honneur. Ils investissent les derniers palaces de la Riviéra, évoquant cette Belle-Epoque où il était de bon ton de goûter à Beaulieu les loisirs de la mer, entre deux concerts de salon. La vie mondaine et l’activité musicale se sont naturellement mêlés. Et l’idée d’un programme centré sur la présence des compositeurs russes à Beaulieu est évidemment pertinente.
Une pluie so british n’éteint pas les flammes du carnaval de Rio (Samedi 17 septembre)
Le temps sur la côte d’azur s’est fait automnale, de sorte que le grand concert en plein air pour l’ouverture du festival de Beaulieu fut rapatrié en l’église du Sacré Coeur. Mais attiré par la gratuité initiale, le public fut très nombreux au rendez-vous. John Fox a bien fait de choisir un monument somptueux pour débuter le festival : la Sérénade pour corde de Tchaïkovsky. Elle est interprétée par l’Orchestre Régional de Cannes Provence Alpes Côte d’Azur sous la baguette de José Ferreira Lobo, invité pour l’occasion. Quoi de plus XIX ème et aristocratique sous les fresques d’Épinal de cette belle église. Mais l’acoustique n’y été pas, tout se perdait, d’autant que le choix du chef fut le pathos, l’ampleur, la lenteur tel un final de la symphonie pathétique. Il ne restait rien de la finesse d’écriture aérienne de l’œuvre. De Stravinsky, la suite Pulcinella, pergolésienne (expérience de réappropriation du baroque) avec sa délicatesse d’orchestration, mélangeant vent et cordes, permettait de mieux se repérer dans l’acoustique tournoyante, bien que le duo des cuivres et des contrebasses ne pouvait rien donner ici. Délicatesse aussi pour l’orchestre qui dans une telle situation n’a pas pu dominer complètement la difficulté de l’ouvrage et se révèle bien en deçà de sa brillante performance aux Victoires de la Musique cette année. Cependant, enchaîné sans pause pour faire office de bis, captant à nouveau l’attention du public fatigué par les chaises, un boute-en-train Bœuf sur le Toit de Darius Milhaud, polytonal et racoleur, pousse la foule aux délires libidineux du carnaval de Rio. Tout le monde oublie les sièges, ovationne et repart plein de très belles mélodies en tête, prodiguées autant par les Russes que par ce Français bizarre qui s’amuse des rythmes latinos, évidemment si bien placés sous la baguette d’un chef portugais !
Colonnes grecques pour un Ravel pluvieux (Dimanche 18 septembre)
Un « jardin sous la pluie »
La pluie continuait à battre le lendemain, mais elle ne faisait qu’ajouter au charme d’un concert dans un atrium grec, un patio à ciel ouvert aussi beau que ces originaux romains que chacun connaît à Pompéi, mais ici tout de marbre blanc, fait de colonnes cannelées doriennes qui jouent avec les ombres du soir, celles des feuilles de l’unique arbre qui pousse à même le marbre à côté de la fontaine centrale. On se sentait chez soi dans cette villa Kérylos du musicien et philologue, Théodore Reinach, reconstitution au dix-neuvième siècle à l’identique des modèles grecs. On s’imaginait être Télémaque au pied du foyer de Ménélas : il écoutait les récits d’Hélène qui dévidait sa pelote de laine et se rappelait de son séjour à Troie. Tout y est raffiné et chaleureux, jusqu’aux chaises blanches pour le public, les fresques pâles qui évoquent des mondes oubliés, des mosaïques au sol : nous étions là avec l’humidité chaude de ce temps méditerranéen, le sublime antique et la musique, sans compter l’acoustique extraordinaire, proprement un gigantesque coffre de résonance grâce aux riches caissons de bois des plafonds ! Quel cocon : on entendait la musique dans les murs, le son était lumineux, amplifié et très précis.
Si ce fut parfait pour les auditeurs, pour les musiciens ce devait être une véritable « galère » que de jouer devant la pluie qui tombait au centre, entre eux et le public, faisant une douce et mélancolique percussion, ajoutant à l’atmosphère du concert mais mettant à mal les cordes du violon et du violoncelle. Le violon, Jan Orawiec, avait des phrases d’une infinie musicalité, le violoncelle, Sébastien Van Kuijk, une grande générosité et une forte chaleur, le pianiste, avec un toucher bondissant et délicat, une technique parfaite (et si jeune !) emporte la palme : Jonathan Bénichou. C’est un nom qui se répandra dans le monde de la musique.
Un programme hétérocite
Ravel avec son trio contribua à envoûter le public se mêlant à la magie du lieu : les basses de la passacaille au piano et bientôt mêlées de violoncelle, n’en finissaient plus de répondre à la lumière violette du ciel et aux candélabres d’albâtre « façon antiquité » des angles du péristyle. Il aurait fallut resté à ce degré de poésie. Pourtant au nom de l’amitié écossaise et en prolongement de la conférence de l’après-midi, on donna trois lieders de Schubert sur des textes d’Ossian, difficiles d’accès, pleins de récitatifs et interprétés avec classe et vigueur par Brian Bannatyne Scott. Cette belle basse fut accompagnée au piano par Errol Gidlestone qui démontre en cette humble fonction qu’il est tout autant un chef d’orchestre remarquable (cf. deuxième Chronique du sud, la Petite Renarde rusée de Janacek).
Le jeune trio précédant, trio Eiffel, revient pour présenter un maître de l’école du violoncelle russe, natif de Beaulieu, Louis Abbiate à qui le concert est dédié. Fort heureusement, pour éviter les longueurs des écritures du temps, il ne présente qu’un magnifique Andante qui vaut la poésie du début du concert : le public est émerveillé, l’écoute et facile et envoûtante : c’est un compositeur, maître du père de Rostropovitch, à redécouvrir d’urgence. Quant à Anton Stepanovitch Arenski, entre Tchaïkovsky et Rachmaninov, c’est musicalement un jeune homme attachant (étrange scherzo dont la partie médiante est une valse joviale), mais l’œuvre souffre de beaucoup de longueurs cependant que la fougue des jeunes interprètes permit d’achever le concert dans la même tonalité de grâce et de bien être qui fit de la chaleur mouillée de cette soirée une réussite réconfortante
Les bons élèves de l’école Galina Vishnevskaya (Lundi 19 septembre)
Puisque le programme était un tiers russe, un tiers français, un tiers italien toujours sous le regard des anglais, voilà une soirée « prikrasnoïe », « piacevole », «pleasant »… « complaisante » ! Borodine, Rimsky-Korsakov, Glinka, Tchaïkovsky, Rachmaninov, Shishkin, Moussorgski, des chansons du folklore, Gounod, Saint-Saëns et Bizet, Verdi… C’était en présence d’un auditoire fait d’un gratin bienveillant (dont le célèbre pianiste accompagnateur Baldwin) pour ces jeunes étudiants qui mouillent leurs chemises … voici donc l’école de la grande Galina Vishnevskaya, épouse de Mstislav Rostropovitch, dite l’académie du théâtre lyrique Galina Vishnevskaya, sous le regard de sa directrice adjointe Elena Opokorva mais non pas de la star retenue « à l’improviste » pour quelque dîner en compagnie d’un Jacques Chirac et d’un Vladimir Poutine. Mais elle fut tout de même applaudie pour avoir téléphoné toute la journée, soucieuse du bon fonctionnement de l’affaire et du travail de ses bébés. Ce n’est pas sans obligation que d’avoir eu une carrière si importante ! Che stanchezza !
Choisis tous directement par John Fox à Moscou dans un concours à « monojury » parmi vingt candidats, les quatre chanteurs furent merveilleux, le cinquième ajouté par supplication de la grande enseignante, a encore du chemin à faire. Donc se sont des élèves qui passent presque tous de loin le niveau d’excellence que l’on exige de tout concert, en définitive une soirée qui en est une réussite. Nota bene : n’oublions pas de lapider la solide pianiste Alla Basargina pour avoir « transcris la transcription » lors des tournes de pages en négligeant quelques basses : un tourneur de page n’est pas un luxe par respect pour les autres !
Naturellement comme toute école il faut bien chercher là où les progrès sont à faire. En premier la prononciation du français et de l’italien, terrible ! Cette heure là, on entendit « Salit au domeuré chasté piré » ou encore « verse l’ivrèze ». Des échanges d’écoles, des stages dans les pays et encore le futur travail dans les théâtres pour ces voix faites pour des grands vaisseaux se chargeront de remédier à cela. Ensuite peut-être la tenue des mains, pour certains à gérer encore. C’est peu de choses. Il est couru que la pédagogie russe et son vivier sont compétitivement parmi les meilleures :
1°/ La soprano Tatiana Metlina a une voix au timbre splendide, typiquement russe, clair et sombre à la fois, comme de l’or rouge, un rubato qui peut ne pas plaire mais tout aussi typique. Très appliquée, elle s’écoute et produit des airs parfaits avec de beaux effets, mais voilà : il manque ce petit quelque chose de joué et de spirituel qui fait tout le charisme des belles voix comme la sienne.
2°/ Le baryton Yuri Baranov joue alla Del Monaco, il aime le théâtre, sa présence est forte, sa voix puissante et brutale au sens positif du terme, sa technique exceptionnelle, il aura une grande carrière lyrique.
3°/ La basse Alexey Tikhomirov, physiquement immense – on s’imaginerait un officier des sous-marin soviétiques de légende – est aussi une voix pittoresque, un véritable trente deux pieds (registre de l’orgue qui sonne trois octaves plus bas !). Il a une grande musicalité, un jeu de scène noble. Il faut retenir de sa prestation la « chanson de la puce » de Moussorgsky. Moussorgsky faisait rire ce soir : tous les russes de l’assemblée s’esclaffaient de sa spiritualité, les français de la gestique et des effets musicaux, mais l’harmonie ! elle disait autre chose… la Russie pleure en riant, c’est déjà l’esprit de Chostakovitch qui se glissait insidieux dans une soirée innocente.
4°/ Le ténor George Protsenko a un timbre rare est magnifique (avec de l’intelligence et sans pousser la voix, ce serait un bon mozartien…), mais la technique des aigus est à revoir, s’il veut chanter longtemps ; la justesse n’est pas toujours là et malgré le renfort de belles phrases bien facturées, la compréhension expressive du sens des mots et l’avancée agonique des pièces est absente. Dans les pièces d’ensemble, sa voix, épuisée, eut du mal à suivre comme dans le quatuor du Rigoletto de Verdi ou le quintette slavon (musique sacrée « gospodje ») chanté en bis. Enfin sa beauté physique proche d’un Chopin était gâchée par une tenue de main aussi précieuse qu’un dandy du XIXème siècle à la Huysman.
5°/ La mezzo soprano Oxana Kornievskaya est le clou de la soirée : quelle rareté une voix aussi profonde et belle, un jeu aussi présent ! Dès que commença l’air de Carmen, finis les problèmes de prononciation… on sentait que précisément c’est par cet air que cette femme à voulu être musicienne, elle dut l’écouter, enfant, dans toutes les versions, amoureuse de sa portée philosophique. Bizet avec cet opéra offrit aux femmes un grand espace de liberté, il n’est que de remarquer le nombre de robes rouges portées par les auditrices à chaque représentation de l’œuvre ! C’est l’identification au mythe, et c’est encore plus beau quand la chanteuse participe.
Le quatuor Borodine plane dans les sphères spirituelles (mardi 20 septembre)
60 ans d’existence fait un son, pur d’une même voix, comme un toucher léger et sensible d’un seul pianiste. Nous parlons du quatuor Borodine qui fête son anniversaire, le protégé de Chostakovitch. Sa réputation est le raffinement même. A l’âge de quinze ans, le violoncelliste Valentin Berlinsky y entrait, à 75 ans, il est toujours là pour assurer la pérennité, et les nouveaux sont déjà de bons vétérans. Ils commencent : on a l’impression que, placés là ou ailleurs, ils sont dans l’éternité, entre eux, dans un seul et unique lieu qui est leur relation. Pour être encore plus impressionné de ce phénomène lisez l’interview de Valentin Berlinsky et de sa fille Ludmila Berlinskaïa, jointe, en sa belle personne, à la soirée pour le quintette de Chostakovitch.
C’était si intime que le public était quasi persona non grata, surtout au début pour l’interprétation du quatuor du compositeur patronyme. Il est vrai que cette œuvre est aussi difficile que belle, à première écoute l’exigence est haute et, souvent, par facilité on se laisse aller à n’écouter seulement que la perfection du jeu, notamment le son du premier violon si proche même de la sonorité du stradivarius de Mendelssohn, entendu il y a peu à Monaco (lire seconde chronique de l’été). Mais les profanes pouvaient s’éveiller aux trois pièces de Stravinsky : un visage provocateur du Picasso de la musique. Force sons harmoniques, glissandi et effets percussifs, le tout tantôt grotesquement dansant, tantôt excentrique, tantôt extatique comme un cantique.
La captation des bonnes volontés faite, c’est maintenant la pièce de résistance. Il n’y a pas de mot pour parler de la musique de Chostakovitch qui semble ne converser que de la mort, il n’y a pas suffisamment de place encore ici, mais lisez les sentiments ressentis par Ludmila Berlinskaïa dans son interview qui vous en dira mille fois plus qu’une longue analyse. Qui trouvera ce texte trop court ne pourra que regretter de ne pas avoir été là, seul Beaulieu sur la Côte d’Azur se permet en ce moment d’inviter de tels représentants du patrimoine humain. Qu’attendent les voisins ?
INTERVIEW
La philosophie du quatuor et le piano « pas gentil » de Chostakovitch
A l’issue du concert du Quatuor Borodine dans un très beau salon fait de fauteuils de velours, ResMusica recueille les propos d’une haute teneur philosophique de l’héritier d’une tradition, Valentin Berlinsky et de sa fille, vive et talentueuse, Ludmila Berlinskaïa, laquelle de bonne grâce se prêta au rôle de traductrice.
Une question sur la pérennité de la tradition : les jeunes ont-ils le bagage pour reprendre le flambeau ?
Valentin Berlinsky : Ce n’est pas facile, il faut trouver les gens qui peuvent vous comprendre à cent pour cent, c’est comme les maçons.
Qu’apportent-ils de neuf qui vous enthousiasme ?
VB : Toujours les nouveaux sont des impulsions nouvelles. Il ne faut pas oublier que chaque musicien qui vient apporte son individualité et des qualités différentes. Mon but dans le quatuor c’est de garder la même tradition en composant avec tout cela.
Et parmi les autres quatuors que voyez vous de neuf ?
VB : Dans les nouvelles générations des autres quatuors, il se trouve beaucoup de bons musiciens qui apportent des éléments différents que ceux établis par la tradition. Il y a des choses où je suis d’accord, d’autres que je ne peux pas accepter. Par exemple, il est très à la mode de faire des transcriptions, pas seulement pour grand orchestre mais aussi en ajoutant des éléments extérieurs au quatuor, comme des éléments théâtraux et cela je ne l’accepte pas parce que pour moi la musique classique pour quatuor est éternelle comme les tableaux de Rembrandt, c’est un affaire sacrée.
Il y a une philosophie du quatuor ?
VB : c’est tout à fait le mot approprié, et si l’on pense avec beaucoup de sérieux, il faut considérer que le musicien du quatuor se consacre littéralement à son art. Il ne faut jamais croire que les musiciens de quatuor peuvent gagner beaucoup d’argent. Malheureusement c’est une tendance de beaucoup de jeunes de s’imaginer d’avoir du gain, ils sont dévorés par l’argent, ils s’engagent dans cette voie avec des pensées tout à fait éloignées de la vraie discipline.
Nous parlons de jeunes et de philosophie, du coup notre thématique de questions se scinde en deux : d’abord la philosophie : quel principe préside à votre choix d’œuvre en commun ?
VB : C’est un processus, un « procès » très intime, c’est comme le sexe. De nos jour l’amour est devenu trop public. Or comme dans toutes les relations dans la famille ce n’est pas quelque chose qu’il est bon de montrer aux autres. C’est une alchimie interne. Evidemment il arrive que l’un d’entre nous ne soit pas d’accord et chacun des quatre essaye de donner des arguments pour convaincre, ou propose quelques idées neuves. Il arrive quotidiennement que des idées bien vienne de chacun des quatre. C’est en tout cas un procès sans fin, toujours en action.
Ensuite nous revenons aux jeunes pour achever le thème de la nouveauté : quels quatuors jeunes vous plaisent et dans quels répertoires ?
VB : Ardeo, les quatre filles françaises et le Danel quartet, aussi en Russie tout ce qui a une dominante romantique, Belcea, Aviv dans le son surtout. A propos de mes élèves j’aurais la pudeur de ne pas parler, mais je connais bien Danel quartet : ce qui me plait surtout c’est qu’ils jouent beaucoup de Chostakovitch, c’est très important, ils sont très professionnels et sérieux. Je trouve aussi que Aviv est top. (j’ai vérifié tous les nom sur internet)
Il y a une grande ambiguïté entre le sens que la propagande voulait donner à l’œuvre de Chostakovitch et leur réel sens profond. 1) comment les musiciens vivaient cela ? 2) Comment l’état le ressentait ? 3) comment Chostakovitch jouait de cela ?
VB : Pour les musiciens collègues, chaque nouvelle œuvre était toujours très importante par contre l’état soviétique n’avait pas la même réaction. Comment lui-même réagissait-il à tout cela ? je ne le connaissais pas profondément en tant qu’homme mais je l’ai vue souvent dans des situations bien différentes : dans son cercle de proches il était complètement décontracté, je dirais « déshabillé » en particulier il aimait rire. Dès que quelqu’un qui ne le connaissait pas s’approchait, l’ambiance dans la pièce devenait complètement fermée. Cette réaction était probablement liée à sa relation avec l’état et à son vécu. Pour mieux illustrer mon propos je vais vous raconter une histoire : un jour nous nous sommes retrouvés à Londres dans un grand jardin, et je lui parlais de ce que je connaissait Luigi Nono et sa belle épouse la fille de Schoenberg, ils habitaient à Venise. Luigi venait de me dire qu’il avait envie de faire un quatuor pour notre formation et je conversais de cela avec Chostakovitch. Il s’est arrêté, il a réfléchi une minute « est-ce que vous avez joué tous les quatuors de Haydn, Mozart et Schubert ? » le total devait bien faire au moins quatre vingt trois œuvres - « même une vie entière ne peut suffire pour jouer tout cela », répondis-je - « d’abord jouez tout ça et ensuite vous pourrez jouer Luigi Nono ». Cela ne veut pas dire que personnellement il n’aimait pas la musique de Nono, au contraire. Mais cela revient au même de ce que je disais tout à l’heure c’était un enseignement pour rappeler que le quatuor, la musique, c’est quelque chose dans cette existence sans laquelle on ne pourrait pas vivre. Cela fait trente ans déjà et je n’ai même pas encore pu jouer tous ces quatuors !
Mais que la musique de Chostakovitch avait un message sur la mort à exprimer, on le ressentait déjà à l’époque malgré la propagande ?
VB : Souvent oui, pour le public c’était manifeste, le plus grand nombre était bien au courant du sens de sa musique, le gouvernement même s’en rendait compte mais il comprenait aussi qu’il est dangereux de toucher à un génie. Ils ont bien essayé de la changer. Il fut obligé de rentrer dans le parti communiste et ce fut une tragédie pour lui, on a des écrits des lettres à des amis qui sont un témoignage poignant de ce qu’il souffrait d’être membre, mais en même temps pour pouvoir continuer, que pouvait-il faire ? il était obligé à un compromis avec l’état.
Avec la perte des valeurs et de vécu de ce temps, peut-on encore comprendre l’œuvre de ce compositeur aujourd’hui ?
VB : Au contraire, je pense que sa musique est devenue encore plus importante, plus riche : c’est un grand classique pareil à Mozart, Tchaikovsky. Sa philosophie était une prophétie de tout ce qui allait arriver et du futur.
Pour nous occidentaux nous ressentons une force oppressante qui marche dans la musique de Stravinsky, Prokofiev, Chostakovitch. Pour vous russes, ressentez vous cela aussi ?
VB : je vous ferai deux réponses. D’abord personnellement, en tant que musicien russe, c’est ma nature, c’est pour moi la même choses que Pouchkine, c’est le même sentiment quand je le lis. D’ailleurs moi même c’est ces sentiments qui me meuvent quand je joue de la musique. Ensuite la question que vous avez posée, c’est la question que je voudrai poser à eux-mêmes quand je les retrouverez là haut, même à Mozart aussi je voudrais poser des questions !
Merci énormément pour ce témoignage profond et chaleureux !
VB : Je vous en prie.
VB : Je vous en prie.
Ludmila Berlinskaia , je m’adresse à vous maintenant, comment faites vous pour arriver sur le piano à ce toucher « Chostakovitch » si particulier et reconnaissable entre tous ?
Ludmila Berlinskaïa : Ah c’est une belle question : il y a en effet un touché pour chaque compositeur et pour Chostakovitch il n’est pas exclu d’être méchant, il y a un message avant tout à faire passer, un message très fort, parfois même brutal, la sonorité ne doit pas être très gentille, elle n’est pas là pour être « sympa ». Parfois il faut faire mal aux oreilles du public et ce n’est évidemment pas comme chopin.
Cette fin particulière du quintette, pour vous, comment vous la figurez vous ?
LB : Les fins des œuvres de Chostakovitch sont toujours particulières et pas seulement dans ce quintet. C’est un moment incontournable, il y a toujours chez Chostakovitch, grand admirateur de Beethoven, un parallèle à faire avec cette idole. C’est intéressant de voir que chez Beethoven dans n’importe quel final, c’est toujours après le combat la victoire des lumières, chez Chostakovitch c’est l’opposé diamétral, la fin n’est pas vraiment heureuse c’est le moins qu’on puisse dire ! On à au contraire le sentiment d’avoir perdu quelque chose. Chostakovitch dans ce quintette joue avec la philosophie du Parti qui pense que la révolution totalement accomplie, le peuple retrouvera une autre vie dans la paix. Mais ici c’est la paix d’une victime que l’on va trouver : tous retrouveront la paix mais après la mort et tout cela est dit dans le mode majeur, c’est plus fort que de le dire dans le mode mineur. La paix après la mort.
Je vais maintenant poser la question classique sur vos projets : vous savez que Res Musica a beaucoup suivi votre discographie (cf. les critiques de disques) - vous pratiquez un peu Internet ?…
LB : Je connais bien le contenu de Res Musica à mon propos mais Internet ! holà ! pour moi c’est quelque chose comme le cosmos !
…Eh bien alors ma question sur vos projets…
LB : Je vais jouer plusieurs sonates de Beethoven à Moscou au mois d’octobre. C’était pour moi le moment de rencontrer ce compositeur et je voudrais personnaliser cette rencontre. Ici en France on a l’habitude de mettre une étiquette « musicien russe est égal à répertoire russe », mais je suis sûre que chaque musicien devrait jouer plusieurs musiques.
Merci à vous aussi pour ces belles réponses
LB : c’était avec plaisir.
Le Trio Rachmaninov, épuisante confrontation entre la mort et la musique (mercredi 21 septembre)
Histoire du Trio Rachmaninov
Trois complices, trois amis, cela se sent tout de suite, pas simplement pour la musique mais pour l’esprit de la vie. L’écoute le laissait deviner, l’entretien le confirma tant est si bien que l’on cède au plaisir de vous les présenter par leur propre vision d’eux même avant que de vous parler de leur jeu : « nous faisons tous les choix ensemble dit le pianiste Viktor Yampolsky, nous sommes liés, voici l’histoire de notre rencontre : Natalia Savinova la violoncelliste et Mikhail Tsinman, le violon, se connaissaient depuis l’enfance et j’ai rencontré Natalie il y a 18 ans environ ! C’est déjà une belle tranche de vie. Ces deux là ont commencé à jouer ensemble de la musique contemporaine prohibée jusque là : c’était juste après la révolution de la Perestroïka de 89. C’était le moment de la création de l’ensemble de Musique contemporaine d’Edison Denisov : le groupe n’acceptait qu’un instrumentiste par registre d’instrument, toujours le meilleur ! Et c’est là que je les ai rencontrés, on jouait le répertoire de Boulez, Xenakis, et d’autres : non seulement on découvrait du nouveau mais on rencontrait les compositeurs de toute l’Europe et cette expérience enthousiasmante à contribué à créer nos liens, à forger cette rencontre, la création du trio Rachmaninov. Pour moi c’est une étape importante de ma vie, cette expérience chez Edison Denisov. »
Mais le plus étonnant dans les propos du pianiste et la profondeur des choix artistiques dans la création du trio : « Ensuite nous nous sommes placés sous le patronage de Rachmaninov par ce que non seulement c’est un grand compositeur mais c’est aussi un grand homme. Il était toujours très honnête, jamais commercial, très aristocrate dans son éthique, une personne très gentille. Il a aidé beaucoup de personne, il fut très engagé. Par exemple il jouait des concerts pour les hôpitaux et pendant la guerre il donna un de ces concerts à New York quand l’ambassadeur soviétique voulut y assister, alors il refusa catégoriquement « je n’aide pas le gouvernement ! ». C’est cela sa droiture, son intégrité, son dédain du profit, car aujourd’hui trop de musiciens font du commerce dans l’art. On a beaucoup d’exemples de mauvais musiciens qui ne font une grande carrière rien que par la relation publique. Rachmaninov figure le refus de tout cela : quelque part son patronage nous protège de ne jamais tomber là, il nous rappelle nos devoirs »
Beauté musicale de programme
Avec ses dires vous comprendrez quel fut leur jeu passionné et engagé. Ce que parfois la justesse perdait, l’expressivité le reprenait au centuple. Tout était vivant, en particulier la présence scénique bienveillante, protectrice, dansante - une transfiguration en beauté musicale – de la violoncelliste. Elle était en sympathie avec ses amis, avec le public, avec les œuvres, avec son violoncelle sur lequel elle penchait l’oreille. Ce dut être épuisant une telle intensité, notamment vu l’ambition du programme : un trio de Rachmaninov, un de Beethoven, le trio de Chostakovitch. Et de fait, il le confièrent « Le choix de John Fox auquel nous nous sommes conformé avec plaisir ne nous est pas habituel, reprend le pianiste, d’habitude on ne joue pas deux trios russes dans le même programme car ils sont longs et tragiques et lourds pour le spectateur. Il y en a trois dans la tradition, Tchaikovsky, Rachmaninov et Chostakovitch et ils sont dédicacés à une personne qui est morte. Le premier au grand pianiste Rubinstein, le second à Tchaikovsky et le troisième est dédié à un grand ami de Chostakovitch Ivan Sollertinsky, directeur du philharmonique. C’était une grande personnalité, il connaissait soixante langues, il avait une mémoire photographique énorme, il regardait un livre et se souvenait de tous les visages. Il est mort en Sibérie pendant l’hiver, gelé. C’est pour cela que l’œuvre débute avec le violoncelle très haut au dessus du violon, pour créer le sentiment du froid, d’un paysage mort, de la neige et rien autour et finalement les trois instruments disent la mort. »
Une épreuve de la vie, de la musique, de la mort
L’épreuve fut donc aussi très exténuante pour le public, le premier trio, celui de Rachmaninov, dans son aspect décousu, très tchaïkovskien, était une fontaine d’inspiration. Inoubliable est le début du troisième mouvement, en solo dans l’énergie extraordinaire du piano de Viktor Yampolsky, vite interrompue par une plainte subite des cordes. Expression pure et même physique des musiciens et puis un silence. Celui de Beethoven, opus 70 numéro 2, ce bouquet de fraîcheur, fut placé là pour reposer les esprits et joué avec chaleur et bonhomie. Enfin le trio de Chostakovitch est un choc. Tel mouvement vous renvoie l’atrocité du monde au visage quand il débute par un accompagnement faussement joyeux, issu du folklore juif : c’est trivial, vulgaire même, (dans un autre contexte, personne n’aurait osé écrire cela) mais c’est montrer l’excrément de la vie, la nudité, la laideur des corps salis dans les camps de la mort, et maintenant c’est la force brute qui se déchaîne sur le violoncelle à grand coup de main non pas comme une guitare mais comme une percussion macabre. Comment finir après un tel discours ? Mais le trio Rachmaninov s’est montré encore plus artiste et psychologue dans l’enchaînement des bis. Pour desserrer la gorge de l’auditeur ils pensèrent à un défoulement des instincts : un « nocturne » d’Ernst Bloch qui n’a rien du paisible rêve. C’est un cauchemar ou plutôt une « pollution nocturne », une impression érotique qui fait songer aux prostitués attendant les spectateurs échauffés par le sang sous les arcades des arènes, ou bien aux bourgeois défoulant leurs pulsions sur les balcons de la place où Ravaillac était écartelé. C’était Eros après Thanatos. Et pour déculpabiliser encore, voici une badinerie au thème naïf et simple de Mozart : un médicament, la beauté rassurante celle qui ne cesse pas d’être belle même quand vient de passer sous sa fenêtre les trains de la mort. Les musiciens furent épuisés, le public aussi, ce soir ce fut la vraie musique.
EXPOSITION
Quelques dires nostalgiques sur l’exposition « Ossian » (Jeudi 22 septembre)
Dans la petite chapelle à côté de l’église une exposition avait lieu toute la semaine – liée au concert du dimanche à la villa Kérylos – l’auteur Calum Colvin a fait un travail remarquable sur la lumière photographique et la destruction. Partant du besoin romantique d’un retour au source dans la recréation fallacieuse du poète Ossian et mettant cela en parallèle avec le mythe du bon sauvage rousseauiste, il construit des paysages celtiques de pierres, où se trouve gravé le portrait d’Ossian qui disparaît peu à peu tout au long de la série de photos. Des éléments jonchés au sol de l’image symbolisent toute la culture écossaise, surtout le jeu entre la tête sculpté d’un écossais et la photographie à moitié brûlée d’un homme sauvage au visage peint de rayures. Ces petits éléments font l’objet d’une nouvelle série où le portrait de l’homme sauvage en gros plan se transforme petit à petit en tête sculptée d’écossais et semble un drap qui se déchire. Puis le drap est recouvert de poussière, celle de l’oubli et des civilisations qui meurent. Remarquable est le jeu d’éloignement et de rapprochement au sol de la photographie brûlée et de la sculpture dans la même série. Pour clore le tout c’est le visage du poète réinventeur d’Ossian, James Macpherson qui est en lieu et place de la tête d’écossais et du visage de bon sauvage. Nous est d’avis que ce jeu brumeux de cache-cache est profondément révélateur de la culture écossaise, de son besoin de racines même à moitié effacées, en même temps que l’Ecosse clame sa recherche personnelle dans le monde contemporain. Tout cela n’est-il pas à mettre en miroir avec les deux Russies qui s’entrechoquent dans ce festival, l’ancienne et la soviétique remise en cause par les générations en quête de leurs racines ?
L’ogre Matsuev dévore public et piano Yamaha (jeudi 22 septembre)
Un cœur palpitant
Denis Matsuev sur sa monture Yamaha (il fit changer le piano Steinway pour bénéficier d’une certaine robustesse) veut vivre. Il veut vivre avec fureur même. Lui aussi propose au public un déchaînement de forces vitales, l’Eros et le Thanatos… Il est de cette école russe qui a des phrases si belles que chacun de ses musiciens en devient musicalité et sonne avec le cœur. Nous pensons à Mikhael Rudy, entendu cet été à Nice dans le second concerto de Rachmaninov, ou bien à l’organiste Vitcheslav Chevliakov qui vous entraîne dans une épopée. Le cœur de Denis Matsuev n’est pas le même que Mikhael Rudy, il n’est pas fait de sensibilité mais d’instinct palpitant. Ainsi son Chopin touche quoiqu’il montre peut-être la limite d’un jeu robuste dans cette musique où, dit-on, Chopin lui-même n’était jamais tout à fait violent. Mais il est parfait dans Liszt grâce à sa plasticité à son sens de la narration ferme. C’est d’ailleurs en concert le meilleur interprète de Liszt entendu.
Un programme épique
Evidement c’est dans la musique russe que son art fait merveille, ses préludes de Rachmaninov perdent tout le contenu décoratif qu’on leur voyait sous les doigts élastiques d’un Lugansky (cf. première chronique du sud), c’est là que l’on s’aperçoit que la virtuosité ne doit pas se voir mais être servante du discours. Jamais la célèbre étude de Scriabine n’a autant soulevé le cœur du public, disons dresser les poils sur les bras, donné la chair de poule qu’ici : elle n’était pas simplement jouée mais emportée par un vent furieux sur les touches du clavier. Au milieu de tout cela les extraits extirpés des saisons de Tchaïkovsky (privées de leur succession chorégraphique et de danseurs) firent-ils figure d’œuvre de salon ? Non pas trop : car le pianiste voulait là faire montre d’une recherche intérieure dans la fameuse mélodie de Juin et dans la plus belle de toutes les saisons, Octobre, où se laisse entendre un thème juif. Cependant la force brute et obstinante de Petrouchka fut la matrice du talent de Matsuev : le dernier accord joué debout par le pianiste emporte la foule (y compris le Prince Albert de Monaco) encore une fois exténuée par l’intensité du son tout au long de la soirée, exténuée par l’obligation violente qu’elle eut de devoir tout écouter, suivre passionnément le discours – ce qui n’est pas une des moindre qualité d’un grand monsieur du clavier.
Classique et jazz ou la sculpture du son
Bien sûr le piano dont la préparation par la maison Giglielmi fut faite à la hâte – mais c’est héroïque pour un facteur de présenter un piano à un musicien pareil ! – battait de l’aile – déjà un ré peinait dans les una corda de Tchaïkovsky – mais son désaccord était beau parce qu’il était pétri comme l’argile de Rodin qui porte l’empreinte de son pouce. D’ailleurs le ter (après une berceuse de Rachmaninov) montrait cette relation charnelle du musicien avec le son. C’est une improvisation très écrite de Jazz et c’est un vrai jazzman qui joue en tant que son doigt ne fourni pas un son pour le son mais une prolongation de la pensée musicale. Dans cet espace de liberté, Denis Matsuev plaisante avec le public, imite les personnages de Tex Avery : sa main est un petit animal qui continue toute seule à prolonger un ostinato et lui s’impatiente en faisant de gros yeux. Un one man show : un maître de son public.
L’orgue puissant de l’improvisateur Wayne Marshall déroute un public néophyte (Vendredi 23 septembre)
Une répétition extraordinaire et pleine de liberté
Nous eûmes le plaisir de rencontrer avant le concert le grand Wayne Marshall en l’église du Sacré Cœur, orgue Cabourdin. Qui dit Cabourdin dit belles anches, car il fut le restaurateur de Saint Maximin, hérita du talent des Isnards par l’étude de leurs œuvres. Qui dit Cabourdin, dit tout autant talent des couleurs et défaillances techniques. L’orgue baroque ne supporta pas les assauts romantiques de toute une journée d’un organiste choisi par John Fox pour être la continuation du concert de la veille. Les goûts claviéristes du directeur artistique vont vers l’énergie bouillante. Heureusement un bon génie sous les conseils téléphoniques avisés du facteur François Delangue sauva l’orgue de la déroute in extremis.
Répétition fort instructive de ce chef d’orchestre improvisateur. Il commence par une improvisation, son style est un tel mélange d’influence qu’il est difficile de le décrire : continuation des symphonistes de l’orgue français, pâte géométrique des compositeurs anglais, polyphonie à la Bach, Jazz à la Gershwin ou Bernstein. Ses thèmes sont toujours beaux et traités à la manière d’une paraphrase d’opéra. C’est peut-être d’ailleurs un talent d’un compositeur d’opéra qui est caché derrière tout cela. L’orgue en effet a toujours flirté avec l’opéra (cf. critique du disque d’olivier Vernet). Puisque notre organiste fit des essais de prise de son, nous bénéficiâmes encore de nombreux autres plaisirs. Ce fut soit un prélude de Bach commencé normalement et finissant en swinguant, soit le fameux concerto en la mineur de Vivaldi métamorphosé : son incipit percussif devient un premier thème d’une sonate et le développement un second. Wayne Marshall ferait fureur dans un concert consacré aux œuvres inachevées de Bach car cette apparente désinvolture eût égard à l’achèvement des monuments musicaux est un plus grand respect que les interprétations intégrales habituelles mortes et figées.
Un concert sérieux et difficile
Nous étions donc persuadé que le concert serait superbe. Un contre temps nous permis d’assister le soir au concert, or quelle ne fut pas notre surprise de voir le public nombreux désaffectionner la prestation et abandonner pour moitié l’audition en cour de route. Cela s’explique par plusieurs phénomènes :
1°/ les gens sont venu pour la gratuité de ce concert dans le cadre du prestige du festival et non pour l’orgue, instrument difficile d’écoute ;
2°/ l’habituel public des concerts d’orgue de la région ne s’est pas déplacé - Preuve qu’un concert d’orgue doit se publiciser à part ;
3°/ le programme n’était pas étudié pour faire l’initiation d’un public peu averti - ce a quoi John Fox doit prêter attention s’il veut éduquer les auditeurs de Beaulieu à la qualité de leur propre instrument.
L’improvisation initiale sur la messe de Wayne Marshall fut très belle mais bien plus sérieuse et moins ludique que ce que nous entendîmes dans l’après midi. Le prélude et fugue en mi bémol de Bach démontrait les limites d’un toucher costaud : l’introduction pointée était convaincante dans cette façon grand orchestre romantique (ce qui compte est avant tout la musicalité du jeu), mais l’aspect lullien, la suspension du danseur dont le pied est sur terre et la tête tenue par un fil (celle-là même que l’on entend dans l’interprétation d’une Keï Koito) s’évanouit. Dans le développement c’est la finesse galante qui manque. Le potentiel « Renaissance » des fugues XVIIème siècle de Roberday sied mieux à notre organiste qui s’entend merveilleusement en texture polyphonique (c’est un chef d’orchestre). Mais en voulant défendre l’Angleterre, thème du festival, Wayne Marshall n’a pas satisfait le public : les œuvres de Parry étaient, à côté, bien moins inspirées et peu accessibles. Seul le grand talent de Widor était trés facile d’écoute mais c’était déjà trop tard pour les ingrats qui n’attendirent pas cette partie du programme.
Jusqu’ici le concert était trop sérieux : l’improvisation sur les thèmes de Stravinsky fut une bouffée d’air : sublime, elle déchaîna les mêmes violences que celle de Matsuev la veille mais avec une autre technique d’écriture, un autre son – l’orgue imitait à merveille la masse primale des danses du Sacre du Printemps, vraiment c’était faramineux et gigantesque ! Vraiment l’heureux bonheur que d’entendre Petrouchka à toutes les sauces ! Un triomphe de la vraie assemblée mélomane à l’ultime moment.
Conférence et concert consacré à Chaliapine plonge Beaulieu dans l’âme russe (Samedi 24 novembre)
Une conférence qui fit pleurer
Tous les concerts étaient précédés vers 17 heures de très belles conférences, très appréciées au demeurant par les berlugans qui confessaient avoir beaucoup appris. Faites sous la protection de Richard Cooper lui même conférencier, professeur et échanson d’Oxford, berlugan d’adoption – son fils, Alexandre, fut le photographe du festival – elles réunirent de grands noms de l’oraison musicale, comme les deux André, Segond et Peyrègne, ou l’écrivain Michael Nelson, et pour l’émotion de la tragédie des émigrés russes, le professeur de russe à l’université de Nice, le Prince Alexis Obolensky. De l’avis de tous, la conférence qui fut la plus bouleversante fut celle d’André Segond sur Féodor Chaliapine (1873-1938), où l’on entendit dans les si vieux enregistrements quel grand interprète est encore aujourd’hui cette incarnation de Boris Godounov. Les gens eurent une véritable émotion artistique digne du concert du soir.
Vladimir Matorine réincarne Féodor Chaliapine
Il fallait un grand musicien et en même temps un grand acteur pour rendre hommage au « divo ». Ce fut Vladimir Matorine à nouveau dans la salle du Casino. Ayant détruit tout l’ordre du programme suivant son inspiration et en grande complicité avec sa femme Svetlana Matonina, la pianiste accompagnatrice, nous parlerons du concert dans son impression globale en commençant par rendre un vif hommage au talent de pianiste de Matorina : raffinement, sensibilité vocale à fleur de peau et comme suspendue dans l’espace temps de l’audition, discrète mais si talentueuse !
L’acoustique de la salle belle époque du Casino de Beaulieu
Lui, dut chauffer sa voix. Avec la présence du public il réalisa partiellement que la position à l’intérieur de la scène des deux musiciens étouffait le son. Il ne bougea pas le piano pensant que le phénomène venait du décor. A l’entracte il prétexta une allégie au plantes bellement agencées par l’adjoint à l’aménagement des espaces extérieurs (Beaulieu est une ville de beaux jardins). Le décor enlevé, le concert sonna effectivement mieux. Ce problème d’acoustique fut traité différemment par les uns les autres tout au long du festival : l’école de Galina Vishnevskaya se plaça au devant de la scène, le quatuor Borodine ignora royalement le problème, situé dans une toute autre sphère psychologique, le trio Rachmaninov fit fermer le rideau de scène et joua devant pour optimiser la résonance, preuve de son exigence personnelle musicale, et notre basse Matorine joue d’une coquetterie de chanteur. Il est très amusant de voir comment fut traité ce petit un mètre cinquante qui faisait toute la différence et qui n’aurait pu gêné personne s’il fut traité par les organisateurs eux-même !
Un vague-à-l’âme de la Patrie
La première partie du concert fut très difficile d’accès sans les textes, mais le jeu d’acteur aidait l’auditeur. Tous les défauts de la voix sont ceux d’un grand professionnel qui a roulé sa bosse, les camouflages sont là aussi, mais tout cela fait partie de l’expressivité théâtrale au point que l’on ne put nier être finalement pris par le charme de cette voix non-métallique (ce qui est rare), ronde et chaleureuse. Pour dire toute la différence que donne le métier à une belle voix, parlons de l’air de la puce de Moussorvsky véritable révélation du festival. Le jeune Basse de l’école, ce lundi 19, faisait rire brillament, mais Vladimir Matorine fait grincer les dents, il est le diable, Méphisto : on comprend donc pourquoi les harmonies terribles qui nous troublaient ce lundi quand tous riaient : le portrait que fait de cet air notre grand acteur est donc bien plus complet et abouti.
La deuxième partie nous fit entrer dans le monde de la romance et de la chanson populaire russe et vraiment nous étions conviés à une soirée intime au point d’oublier le temps. Les bis firent du public les compagnons de voyage russes dans une auberge, avec le feu et la vodka. Matorine salut en plaisantant le comparse de scène, une statue assise vêtue à la russe, il se décoiffe, danse folkloriquement, joue l’histoire du traîneau et l’on entend dans la salle les émigrés et les russes actuels fredonner les airs de leur enfance, ! Vraiment les larmes viennent aux yeux de ce sentiment de la heimat (la patrie dans le sens de « chez soi » ou « maison »). Ce n’est pas un festival froid que celui de John Fox, des grandes sensations philosophiques et sociales sont passées dans l’atmosphère de Beaulieu.
Un spectacle de Marionnette assez lugubre amuse les enfants (dimanche 25 septembre, l’après-midi)
Nous passerons vite sur le spectacle de marionnettes en la place Marinoni. Le texte de l’histoire du soldat a vieillit et ne se trouvait pas bien de sa traduction pédagogique très théatralisée style Institut Universitaire de la Formation des Maîtres. Meilleur moyen de faire perdre l’attention aux enfants et aux adultes ! Un coup de jeune au texte, des tailles pour faire ressortir musique et dramaturgie, une meilleure symbolique visuelle et l’histoire retrouverait sa force psychanalytique obscurément terrible, non faite pour les enfants. Ceci dit les enfants était contents de voir la poupée (déjà très macabre d’aspect) démantelée à la fin, au bout d’une heure et demi de souffrance. Cette atrocité du diable serre encore la gorge et rappelle les horreurs de Chostakovitch entendue dans la semaine (la Russie n’ai pas philosophiquement sans poids). Tout cela était en dépit d’un spectacle « amputé d’une belle partie : lumière et décor ». Il est vrai que le sublime magnolia de la place ne pouvait pas rivaliser avec les banals tissus noirs du théâtre national des Marionnettes de Moscou. Même si l’on confesse avoir vu de meilleurs spectacles que celui proposé la sous la pluie, et au dire de certains des merveilles autrement plus intéressantes à Moscou même, c’était aussi un grand apport culturel de découvrir cette histoire majeure sous les fenêtres de Stravinsky même.
La culture populaire anglaise se parent de la perfection classique d’un grand orchestre militaire royal (dimanche 25 septembre, le soir)
Le feux d’artifice final plein de couleurs
Le feux d’artifice du festival fut donc au théâtre de la Batterie. Ce théâtre va être bientôt reconstruit en semi dur par un grand architecte pour la manifestation, il donne sur la mer. A Beaulieu elle est la plus calme du monde, un vrai miroir. Ce soir comme au début du festival il pleuvait. Les gens furent nombreux mais pas tant qu’ils auraient été souhaitable pour le dernier spectacle. La pluie n’est pas le propre des gens du sud et peut-être que l’orchestre de la garde Ecossaise de Sa Majesté la Reine Elisabeth II depuis trois jours a trop fait de belles parades pour assortir les inaugurations de plaques commémoratives en hommage à Igor Stravinsky, Anton Tchékhov (qui aurait été heureux de voir bâtir une école sur l’emplacement de sa demeure) ou pour la commémoration de la fin de la guerre mondiale. Plus de mille personnes sur la place l’après-midi, seulement quatre cent le soir.
Plaisanterie et professionalisme
Le Chef de la garde, le colonel Robert Owen, est d’une conversation très agréable, d’une sympathie totale avec le public et, ganté de blanc, d’une réelle autorité. Avec un anglais simple il arrivait à faire rire sur le mauvais temps même un débutant dans la langue. Tous ses soldats musiciens sont beaux avec leurs costumes rouges, leurs boutons brillants, les médailles. Chaque costume étant approprié à la place de l’instrument joué (les tubas ne pouvaient côtoyer les gros boutons des vestes). Le joueur de cornemuse, Graham Gray, professionnel jusqu’au renoncement de soi, égale les plus grands virtuoses en force et en justesse. Son costume avec un kit et le haut chapeau stupéfait de beauté. Le son de l’orchestre est parfait, comme un très grand orgue harmonisé par le fameux Gaillard. Le génie d’orchestrateur du colonel émerveille, les clarinettes et les flûtes faisant office de violons, les tubas de contrebasses, tandis que les trombones et les saxophones finissaient l’imitation de l’orchestre à cordes. Les cors alliés aux tubas et aux trompettes donnaient l’impression des vents, tout était au millimètre et certainement issus d’une grande tradition de composition pour les orchestre de plein air.
Musique du peuple, musique classique
Son arrangement en suite paraphrasée des chansons des Beatles puis de l’auteur de Jésus Christ Superstar est si habile que la musique passe dans le registre classique. On entendit les musiques des James Bond, mais aussi un concerto classique pour flûte (James Dutton) magnifique où l’on regrettait les vraies cordes – c’est la limite des transcriptions. On entendit les prémices du rock joué à quatre saxophones. Là encore quatre trombones (et le premier trombone réussiy incroyablement l’agilité jazzy sur un instrument bien peu précis)n des solos de tubas, de clarinettes… Tous le monde fut à la fête dans un mélange charmant, parfois même trop kitch avec les guitares et violons amplifier pour le folklore revisité. C’était grand public. La Russie n’eut droit qu’à une petite danse de Glière (c’est l’auteur des célèbres vocalises dans le style de Rachmaninov) mais pas la suite de Jazz de Chostakovitch (pourtant au programme mais omise) : c’était son jour d’anniversaire, l’occasion était manquée. Qui se plaindrait pourtant d’un tel gâteau quand il est parfait et qu’il détend de tant de musiques profondes et intenses entendues tous le long du festival ?
Une fin de festival dans la bonne humeur
En tout cas pour le public et les musiciens, le festival put finir dans une détente conviviale, pour beaucoup autour de bières, en anglais, à l’image de la sympathie des bénévoles qui se dévouèrent - et nombreux furent les gens qui sympathisèrent avec les gardes de sa gracieuse majesté. C’était vraiment un lieu d’amitié entre les peuples et le but que c’est donné John Fox (lire l’interview) touche infailliblement à sa cible : la « musique est ambassadrice », capable de transporter le palais de la Reine d’Angleterre et les Fastes du Tsar dans une petite ville au bord de la mer.
INTERVIEW
La musique est ambassadrice
Le festival que dirige John Fox chaque septembre à Beaulieu-sur-Mer allie hautes mondanités et simplicité villageoise, communautés étrangères chics et public abondant, programmation sur un thème pointu (Russie, Ecosse et Beaulieu) et plaisirs populaires, grandes figures de la musique et jeunes talents. ResMusica a cherché à comprendre les astuces et les dons psychologiques d’un directeur artistique incroyablement doué.
Comment vous êtes vous intéressé à la côte d’Azur et à Beaulieu ?
JF : Pour la première fois dans mon enfance je suis venu à l’âge de cinq ans. Je faisais mes vacances ici, on louait une maison à Menton. J’ai pris connaissance de la Côte d’Azur sur la plage. Après cela je suis revenu en 1991. J’ai été engagé pour participer à un opéra à Monte-Carlo. J’ai été ravi de revoir la Côte. En passant de l’aéroport de Nice à Monaco, j’ai été impressionné par les rades formées par le cap Ferrat. Plus tard j’ai été engagé de nouveau et j’ai loué une villa ici à Beaulieu, agrémentée du plaisir de voir la ville de ma fenêtre et les deux fameuses baies. Je suis très content et, depuis cinq ans, je partage ma vie entre Londres et ici.
Votre amitié avec Modler et votre travail à Monaco vous a incité à créer le festival ?
JF : J’ai beaucoup d’admiration pour le travail de Modler, connu à un niveau international, comme le petit nombre de ses prédécesseur, Gainsbourg par exemple, qui resta plus de cinquante ans à la tête de l’opéra de Monte-Carlo. Certainement qu’historiquement ce voisinage et celui de Nice a contribué à la vocation de Beaulieu de s’intéresser aux musiciens. Avant la première guerre mondiale il y eut un festival ici créé par un écossais, John Mavis. Cet homme avait fondé l’hôpital pour les anglais du Mont Boron et le festival à Beaulieu. Les russes et les anglais invitaient déjà les musiciens chez eux, dans les villas, et même la Réserve qui avant d’être l’hôtel prestigieux, était un restaurant, avait organisé énormément de concerts : Abbiate, le professeur du père Rostropovitch et berlugan d’origine, s’y est produit ainsi que son neveu. C’était une belle famille de musiciens. C’est tout cela qui m’a inspiré l’idée de faire un festival.
Pourquoi à Beaulieu et pas ailleurs ?
JF : J’ai crée le festival par hasard. J’ai dirigé plusieurs festivals à l’étranger, surtout dans mon pays de naissance. Ici j’en rêvais, mais ce n’est pas facile pour un étranger de trouver du travail en tant que musicien, car dans le domaine de la musique on cherche toujours ici à favoriser les français. Il y a trois ans, on fêtait le centenaire des deux églises. Je suis catholique, de temps en temps j’aime bien assister à la cérémonie anglicane. Le pasteur me disait « j’ai invité l’archevêque d’York à faire un office… ». je m’étonnais : « sans la musique qui accompagne un hôte d’un tel prestige ? » ; il me répondait en tendant les bras « John, c’est à vous ! ». Je propose à l’ensemble Tenebrae de venir pour l’office. Cela coûte cher, il faut donc équilibrer par un concert. Mais je pensais : « il faut un bon organiste ! », je demande alors à Suzanne Landale, elle accepte pour la messe et l’on double par le concert, petit à petit tout s’organise. Après trente ans dans la musique, avec mon réseau, je pouvais agir amicalement : « j’ai chanté pour vous souvenez, bénévolement, pourriez-vous vous produire pour moi même à un prix modique pour lancer l’affaire ? ». La première édition se fit avec un petit budget. J’ai sollicité le conseil général et, grâce à Olivier Zahuti (vérifier le nom demander à Renaud de téléphoner à John Fox pour cela), très anglophile, le conseil mit à disposition l’orchestre philharmonique de Bender qui fut aussitôt conquis par le projet. En mairie le docteur Legros, adjoint à la culture, très sympathique, et conscient de la valeur du projet, a offert cinquante pour cent de son budget annuel. Pour lui c’était un risque.
Et le rôle des ambassades ?
JF : l’ambassadeur de Grande Bretagne, celui de ce moment là, est un ami personnel. J’ai sollicité son soutien ce qui fut aisé puisqu’il est un fin mélomane et comprend l’importance des arts et surtout de la musique classique pour améliorer les relations internationales. Il savait que les musiciens peuvent être des ambassadeurs. Dès le début, il fut là pour le projet, il le plaça sous son haut patronage, mais aussi y assura une présence effective pour quatre jours. La ville l’a très chaleureusement accueilli. Il y eut un week-end où le déjeuner était fait de hauts ambassadeurs, évêques et préfets. Après, le Maire eut tout à fait raison de vouloir répéter l’expérience, de même que le Conseil Général. Il fallait garder l’axe franco-britannique, car les anglais ont une présence importante sur la Côte, avec des associations de mélomanes, des mécènes et l’attachement à l’histoire importante des deux communautés sur Beaulieu.
Mais le thème n’était pas difficile à renouveler l’année suivante ?
JF : J’ai eu de la chance, parce qu’il s’agissait de l’année du centenaire de l’entente cordiale. Chirac et Blair avaient signé des accords pour améliorer ces commémorations, la Reine rencontrait Chirac, etc. Ils avaient dégagé des subventions pour les projets, plusieurs milliers, dont fit partie mon festival. Il fut accordé à notre association le soutien des deux ministères et nous avons donnés les œuvres qui furent des créations françaises en Angleterre et vis versa, toutes écrites pour la paix durant quatre siècles.
Mais la marge de manœuvre a du se rétrécir pour le troisième festival ?
JF : J’ai trouvé ma solution pour la troisième année dans l’histoire même de la ville. Je me suis donc rendu à Moscou en janvier pour essayer de faire un partenariat avec l’Agence Fédérale de la Culture et Cinématographique qui s’occupe de l’exportation des artistes et de la culture russe. Elle accepta volontiers de se charger de la prise en charge des frais de transports. J’ai à Moscou fait la connaissance de plusieurs autres amis.
Y a t-il un rapport cordial entre les différentes communautés de Beaulieu ?
JF : C’est une toute petite ville, en surface la plus limité de France. Ses moyens financiers sont donc limités. Mais par exemple mon rapport avec l’ambassade d’Angleterre à inspirer les berlugans et c’est grâce à leur intervention que l’ambassade de France est venue apporter son soutien. C’est cela qui fit le point fort du projet : ce mélange des communautés. Par exemple quand j’en parlais en Russie à l’ambassadeur de France, tout d’un coup il fut converti et proposa spontanément son patronage et la mise à disposition du soutien de son conseil culturel, ce qui fut pas peu quand on songe à l’aide importante pour les contacts téléphoniques. Car en Russie ce n’est pas tout le temps que le téléphone marche et la poste quasi jamais. La difficulté étant aussi la langue, puisque les artistes ne parlent pas le français. Et grâce à l’ambassade de France en Russie, on a beaucoup eu de soulagements et évité de lourds labeurs.
Pour être plus précis, comment gérez vous l’alliage entre les mondanités et l’aspect villageois de Beaulieu ?
JF : Le conducteur c’est la musique, c’est cela qui fait l’interactivité. Tous se retrouvent sur les registres artistiques et culturels. En plus il y a le lien entre régions. L’année dernière, cela fut trés important et utile, la régionalité de l’affaire : la région Provence Alpes Côte d’Azur d’un côté, représentée par la ville de Beaulieu, et de l’autre la Région de l’Ecosse dont le Gouvernement nous a financièrement aidé. Mais aussi nous avons renforcé des liens sur le plan touristique avec réception pour les fonctionnaires et les politiciens. La volonté, c’est d’ouvrir l’aspect villageois vers l’extérieur. C’est bien que la musique soit capable d’être conductrice de tout ce qui arrive dans la ville, de regrouper et de renforcer les relations entre les communautés : la musique est un ambassadeur. Je vois la chose comme « ville et extérieur » « inter-région ». Si le festival continue, je chercherai des liens entre les départements et les régions des autres pays. C’est aussi très pratique pour obtenir les subventions qui permettent de survivre et faire les concerts de qualité.
Pensez-vous qu’un festival doit aussi attirer un public ayant un accès pas forcément facile à la musique, soit financièrement soit culturellement ?
JF : Bien sûr. ! Mon projet est éducatif, il est ouvert aux jeunes et d’accès facile à toutes les générations, même pour les personnes qui n’ont pas forcément les moyens d’acheter ! Ainsi j’insiste pour que le tarif soit le plus bas possible par rapport à la qualité des artistes comme le quatuor Borodine ! J’offre beaucoup de places gratuites pour les jeunes et les étudiants du Conservatoire, pour stimuler et éduquer, parce que, quand j’ai été jeune, j’ai eu la chance d’assister aux concerts et ça m’a donné l’idée d’être musicien à mon tour. Une quinzaine de place sur deux-cent c’est, je pense, déjà pas mal pour notre époque ? Cette année j’ai offert le Théâtre des Marionnettes pour les jeunes avec un chef d’œuvre, « l’histoire du soldat » de Stravinsky : un moyen de présenter la musique à des enfants de sept et dix ans de façon ludique. Pour les adultes et pour beaucoup de citoyens qui n’assistent pas aux concerts, je propose deux concerts gratuits environ et ils viennent. J’en rencontre au Grain de Café, et aux autres bars, je discute, je les invitent à venir. J’ai souvent envie d’offrir des places, mais je me raisonne, comme le tarif est déjà très réduit… Si je trouve quelqu’un de très pauvre et de très mélomane dans la rue, c’est sûr je l’invite ! Pour les personnes peu cultivées je prévois dans mes programmes de quoi les éduquer en les attirant par des choses simples : pour l’ouverture et la fermeture du festival surtout, c’est toujours un programme populaire. L’année dernière c’était les musiques de film de Maurice Jarre, cette année ce sont les arrangements des chansons de John Lennon et de MacCarteney, la musique de film des James Bond… et j’envisage pour l’année prochaine un concert de Jazz produit par les plus grands musiciens classiques. C’est bien de préserver un espace « facile » pour le public.
Comment procédez vous pour l’agencement des programmes et comment ferez vous pour que la thématique du festival ne s’use pas ?
JF : C’est un processus qui se développe peu à peu, je suis quelqu’un qui rêve beaucoup. Je prend beaucoup de temps pour réfléchir, je me tiens toujours ouvert, en alerte, je voyage beaucoup et les idées se forment d’abord dans le subconscient ensuite elle émergent. Pour la plupart du choix des œuvres c’est moi qui préside, en demandant naturellement ou en conversant au préalable sur le répertoire des artistes. Ce sont des amis et je connais presque toujours le répertoire saisonnier. Car les musiciens ont un ou deux programmes pour la saison. De temps en temps cela ne correspond pas, cela est arrivé pour le quatuor Borodine. Il me demander d’accepter Ravel et Dvořak. Peu à peu je les ai persuadés de jouer Chostakovitch et Stravinsky. Le pianiste voulait jouer toutes les Saisons de Tchaïkovsky, mais il était important d’attirer le public avec du Chopin, j’ai du expliquer qu’ici, ce n’est pas Paris ou Berlin ni Londres, qu’il fallait penser au public de la région, au thème du festival … et bien sûr aussi au répertoire des artistes. C’est un compromis ! Pour le concert à la villa Kérylos j’ai pu faire tout le programme par rapport au thème. Ravel au début est conforme à l’époque et à la beauté grecque du lieu, au temps que l’on commémore à Beaulieu, avant la première guerre mondiale, quand ces œuvres-là étaient données en même temps que celles d’Abbiate au restaurant de la réserve.
Votre attachement aux conférences ?
JF : Les conférences sont un moyen de faire ressortir les thèmes du festival, de faire comprendre la culture, les œuvres, etc. Elles sont là pour offrir au public un tableau et une atmosphère. Les deux André, Peyrègne et Segond ont une très belle capacité de transmettre.
Dans votre festival on voit les noms des grands, mais faites vous quelque chose pour les jeunes talents ?
JF : On essaie. L’année dernière un concert, cette année deux. L’Eiffel trio est un groupe de jeune talent que je défends mais aussi le Théâtre Lyrique de Galina Vishnevskaia. J’ai écouté vingt chanteurs et j’en ai choisi quatre. Je tiens toujours à entendre sur scène les musiciens avant de les employer, c’est une règle d’or. Le ténor je ne l’ai pas choisi. Galina a insisté, surtout parce qu’il est beau. Mais ce fut une catastrophe. Cela confirme que j’ai raison et qu’il faut toujours écouter les musiciens devant le public.
Avec une thématique si étroite, comment voyez vous l’avenir ?
JF : on peut toujours compter, si on garde cet axe, sur le soutien de l’Ambassade d’Angleterre et le Gouvernement. On peut attendre plus de soutien du côté russe, mais cela dépend beaucoup de la réponse de la Ville et du Département qui pour le moment ne fait pas énormément, les autres recevant bien plus. Mais c’est logique ! les gouvernements locaux font toujours bien plus pour ce qui est installé depuis longtemps. Pour avoir conscience des nouvelles aventures, il faut qu’ils attendent au moins trois ans et réalisent alors la qualité. C’est partout pareil. Pour l’instant on peut profiter surtout des soutiens internationaux et de la diplomatie, on gardera la part russe du festival qui est très enthousiaste pour notre projet. Le quatuor Borodine demande un projet pour le Concours Borodine où se présentent des jeunes trios, quatuors et quintettes. J’ai un autre projet, quelque chose avec la ville d’Odessa où pour le moment il n’y a pas de festival et c’est une ville avec une histoire et une grande tradition dont le pianiste Richter et plusieurs générations de violonistes.
Vous verriez aussi un lien avec un festival britannique ?
JF : Effectivement, car le pense que dans le climat économique actuel il est pratique de faire un partenariat entre différents pays. Les artistes aiment avoir plusieurs contacts et répliquer les programmes en plusieurs lieux. Je pense en effet : en France, en Grande Bretagne et à Odessa. Pour la Grande Bretagne on m’a proposé de remonter deux festivals. J’ai un choix à faire mais pour l’instant je ne peux pas en parler, cela reste secret.
Ludmila Berlinskaïa : Ah c’est une belle question : il y a en effet un touché pour chaque compositeur et pour Chostakovitch il n’est pas exclu d’être méchant, il y a un message avant tout à faire passer, un message très fort, parfois même brutal, la sonorité ne doit pas être très gentille, elle n’est pas là pour être « sympa ». Parfois il faut faire mal aux oreilles du public et ce n’est évidemment pas comme chopin.
Cette fin particulière du quintette, pour vous, comment vous la figurez vous ?
LB : Les fins des œuvres de Chostakovitch sont toujours particulières et pas seulement dans ce quintet. C’est un moment incontournable, il y a toujours chez Chostakovitch, grand admirateur de Beethoven, un parallèle à faire avec cette idole. C’est intéressant de voir que chez Beethoven dans n’importe quel final, c’est toujours après le combat la victoire des lumières, chez Chostakovitch c’est l’opposé diamétral, la fin n’est pas vraiment heureuse c’est le moins qu’on puisse dire ! On à au contraire le sentiment d’avoir perdu quelque chose. Chostakovitch dans ce quintette joue avec la philosophie du Parti qui pense que la révolution totalement accomplie, le peuple retrouvera une autre vie dans la paix. Mais ici c’est la paix d’une victime que l’on va trouver : tous retrouveront la paix mais après la mort et tout cela est dit dans le mode majeur, c’est plus fort que de le dire dans le mode mineur. La paix après la mort.
Je vais maintenant poser la question classique sur vos projets : vous savez que Res Musica a beaucoup suivi votre discographie (cf. les critiques de disques) - vous pratiquez un peu Internet ?…
LB : Je connais bien le contenu de Res Musica à mon propos mais Internet ! holà ! pour moi c’est quelque chose comme le cosmos !
…Eh bien alors ma question sur vos projets…
LB : Je vais jouer plusieurs sonates de Beethoven à Moscou au mois d’octobre. C’était pour moi le moment de rencontrer ce compositeur et je voudrais personnaliser cette rencontre. Ici en France on a l’habitude de mettre une étiquette « musicien russe est égal à répertoire russe », mais je suis sûre que chaque musicien devrait jouer plusieurs musiques.
Merci à vous aussi pour ces belles réponses
LB : c’était avec plaisir.
Le Trio Rachmaninov, épuisante confrontation entre la mort et la musique (mercredi 21 septembre)
Histoire du Trio Rachmaninov
Trois complices, trois amis, cela se sent tout de suite, pas simplement pour la musique mais pour l’esprit de la vie. L’écoute le laissait deviner, l’entretien le confirma tant est si bien que l’on cède au plaisir de vous les présenter par leur propre vision d’eux même avant que de vous parler de leur jeu : « nous faisons tous les choix ensemble dit le pianiste Viktor Yampolsky, nous sommes liés, voici l’histoire de notre rencontre : Natalia Savinova la violoncelliste et Mikhail Tsinman, le violon, se connaissaient depuis l’enfance et j’ai rencontré Natalie il y a 18 ans environ ! C’est déjà une belle tranche de vie. Ces deux là ont commencé à jouer ensemble de la musique contemporaine prohibée jusque là : c’était juste après la révolution de la Perestroïka de 89. C’était le moment de la création de l’ensemble de Musique contemporaine d’Edison Denisov : le groupe n’acceptait qu’un instrumentiste par registre d’instrument, toujours le meilleur ! Et c’est là que je les ai rencontrés, on jouait le répertoire de Boulez, Xenakis, et d’autres : non seulement on découvrait du nouveau mais on rencontrait les compositeurs de toute l’Europe et cette expérience enthousiasmante à contribué à créer nos liens, à forger cette rencontre, la création du trio Rachmaninov. Pour moi c’est une étape importante de ma vie, cette expérience chez Edison Denisov. »
Mais le plus étonnant dans les propos du pianiste et la profondeur des choix artistiques dans la création du trio : « Ensuite nous nous sommes placés sous le patronage de Rachmaninov par ce que non seulement c’est un grand compositeur mais c’est aussi un grand homme. Il était toujours très honnête, jamais commercial, très aristocrate dans son éthique, une personne très gentille. Il a aidé beaucoup de personne, il fut très engagé. Par exemple il jouait des concerts pour les hôpitaux et pendant la guerre il donna un de ces concerts à New York quand l’ambassadeur soviétique voulut y assister, alors il refusa catégoriquement « je n’aide pas le gouvernement ! ». C’est cela sa droiture, son intégrité, son dédain du profit, car aujourd’hui trop de musiciens font du commerce dans l’art. On a beaucoup d’exemples de mauvais musiciens qui ne font une grande carrière rien que par la relation publique. Rachmaninov figure le refus de tout cela : quelque part son patronage nous protège de ne jamais tomber là, il nous rappelle nos devoirs »
Beauté musicale de programme
Avec ses dires vous comprendrez quel fut leur jeu passionné et engagé. Ce que parfois la justesse perdait, l’expressivité le reprenait au centuple. Tout était vivant, en particulier la présence scénique bienveillante, protectrice, dansante - une transfiguration en beauté musicale – de la violoncelliste. Elle était en sympathie avec ses amis, avec le public, avec les œuvres, avec son violoncelle sur lequel elle penchait l’oreille. Ce dut être épuisant une telle intensité, notamment vu l’ambition du programme : un trio de Rachmaninov, un de Beethoven, le trio de Chostakovitch. Et de fait, il le confièrent « Le choix de John Fox auquel nous nous sommes conformé avec plaisir ne nous est pas habituel, reprend le pianiste, d’habitude on ne joue pas deux trios russes dans le même programme car ils sont longs et tragiques et lourds pour le spectateur. Il y en a trois dans la tradition, Tchaikovsky, Rachmaninov et Chostakovitch et ils sont dédicacés à une personne qui est morte. Le premier au grand pianiste Rubinstein, le second à Tchaikovsky et le troisième est dédié à un grand ami de Chostakovitch Ivan Sollertinsky, directeur du philharmonique. C’était une grande personnalité, il connaissait soixante langues, il avait une mémoire photographique énorme, il regardait un livre et se souvenait de tous les visages. Il est mort en Sibérie pendant l’hiver, gelé. C’est pour cela que l’œuvre débute avec le violoncelle très haut au dessus du violon, pour créer le sentiment du froid, d’un paysage mort, de la neige et rien autour et finalement les trois instruments disent la mort. »
Une épreuve de la vie, de la musique, de la mort
L’épreuve fut donc aussi très exténuante pour le public, le premier trio, celui de Rachmaninov, dans son aspect décousu, très tchaïkovskien, était une fontaine d’inspiration. Inoubliable est le début du troisième mouvement, en solo dans l’énergie extraordinaire du piano de Viktor Yampolsky, vite interrompue par une plainte subite des cordes. Expression pure et même physique des musiciens et puis un silence. Celui de Beethoven, opus 70 numéro 2, ce bouquet de fraîcheur, fut placé là pour reposer les esprits et joué avec chaleur et bonhomie. Enfin le trio de Chostakovitch est un choc. Tel mouvement vous renvoie l’atrocité du monde au visage quand il débute par un accompagnement faussement joyeux, issu du folklore juif : c’est trivial, vulgaire même, (dans un autre contexte, personne n’aurait osé écrire cela) mais c’est montrer l’excrément de la vie, la nudité, la laideur des corps salis dans les camps de la mort, et maintenant c’est la force brute qui se déchaîne sur le violoncelle à grand coup de main non pas comme une guitare mais comme une percussion macabre. Comment finir après un tel discours ? Mais le trio Rachmaninov s’est montré encore plus artiste et psychologue dans l’enchaînement des bis. Pour desserrer la gorge de l’auditeur ils pensèrent à un défoulement des instincts : un « nocturne » d’Ernst Bloch qui n’a rien du paisible rêve. C’est un cauchemar ou plutôt une « pollution nocturne », une impression érotique qui fait songer aux prostitués attendant les spectateurs échauffés par le sang sous les arcades des arènes, ou bien aux bourgeois défoulant leurs pulsions sur les balcons de la place où Ravaillac était écartelé. C’était Eros après Thanatos. Et pour déculpabiliser encore, voici une badinerie au thème naïf et simple de Mozart : un médicament, la beauté rassurante celle qui ne cesse pas d’être belle même quand vient de passer sous sa fenêtre les trains de la mort. Les musiciens furent épuisés, le public aussi, ce soir ce fut la vraie musique.
EXPOSITION
Quelques dires nostalgiques sur l’exposition « Ossian » (Jeudi 22 septembre)
Dans la petite chapelle à côté de l’église une exposition avait lieu toute la semaine – liée au concert du dimanche à la villa Kérylos – l’auteur Calum Colvin a fait un travail remarquable sur la lumière photographique et la destruction. Partant du besoin romantique d’un retour au source dans la recréation fallacieuse du poète Ossian et mettant cela en parallèle avec le mythe du bon sauvage rousseauiste, il construit des paysages celtiques de pierres, où se trouve gravé le portrait d’Ossian qui disparaît peu à peu tout au long de la série de photos. Des éléments jonchés au sol de l’image symbolisent toute la culture écossaise, surtout le jeu entre la tête sculpté d’un écossais et la photographie à moitié brûlée d’un homme sauvage au visage peint de rayures. Ces petits éléments font l’objet d’une nouvelle série où le portrait de l’homme sauvage en gros plan se transforme petit à petit en tête sculptée d’écossais et semble un drap qui se déchire. Puis le drap est recouvert de poussière, celle de l’oubli et des civilisations qui meurent. Remarquable est le jeu d’éloignement et de rapprochement au sol de la photographie brûlée et de la sculpture dans la même série. Pour clore le tout c’est le visage du poète réinventeur d’Ossian, James Macpherson qui est en lieu et place de la tête d’écossais et du visage de bon sauvage. Nous est d’avis que ce jeu brumeux de cache-cache est profondément révélateur de la culture écossaise, de son besoin de racines même à moitié effacées, en même temps que l’Ecosse clame sa recherche personnelle dans le monde contemporain. Tout cela n’est-il pas à mettre en miroir avec les deux Russies qui s’entrechoquent dans ce festival, l’ancienne et la soviétique remise en cause par les générations en quête de leurs racines ?
L’ogre Matsuev dévore public et piano Yamaha (jeudi 22 septembre)
Un cœur palpitant
Denis Matsuev sur sa monture Yamaha (il fit changer le piano Steinway pour bénéficier d’une certaine robustesse) veut vivre. Il veut vivre avec fureur même. Lui aussi propose au public un déchaînement de forces vitales, l’Eros et le Thanatos… Il est de cette école russe qui a des phrases si belles que chacun de ses musiciens en devient musicalité et sonne avec le cœur. Nous pensons à Mikhael Rudy, entendu cet été à Nice dans le second concerto de Rachmaninov, ou bien à l’organiste Vitcheslav Chevliakov qui vous entraîne dans une épopée. Le cœur de Denis Matsuev n’est pas le même que Mikhael Rudy, il n’est pas fait de sensibilité mais d’instinct palpitant. Ainsi son Chopin touche quoiqu’il montre peut-être la limite d’un jeu robuste dans cette musique où, dit-on, Chopin lui-même n’était jamais tout à fait violent. Mais il est parfait dans Liszt grâce à sa plasticité à son sens de la narration ferme. C’est d’ailleurs en concert le meilleur interprète de Liszt entendu.
Un programme épique
Evidement c’est dans la musique russe que son art fait merveille, ses préludes de Rachmaninov perdent tout le contenu décoratif qu’on leur voyait sous les doigts élastiques d’un Lugansky (cf. première chronique du sud), c’est là que l’on s’aperçoit que la virtuosité ne doit pas se voir mais être servante du discours. Jamais la célèbre étude de Scriabine n’a autant soulevé le cœur du public, disons dresser les poils sur les bras, donné la chair de poule qu’ici : elle n’était pas simplement jouée mais emportée par un vent furieux sur les touches du clavier. Au milieu de tout cela les extraits extirpés des saisons de Tchaïkovsky (privées de leur succession chorégraphique et de danseurs) firent-ils figure d’œuvre de salon ? Non pas trop : car le pianiste voulait là faire montre d’une recherche intérieure dans la fameuse mélodie de Juin et dans la plus belle de toutes les saisons, Octobre, où se laisse entendre un thème juif. Cependant la force brute et obstinante de Petrouchka fut la matrice du talent de Matsuev : le dernier accord joué debout par le pianiste emporte la foule (y compris le Prince Albert de Monaco) encore une fois exténuée par l’intensité du son tout au long de la soirée, exténuée par l’obligation violente qu’elle eut de devoir tout écouter, suivre passionnément le discours – ce qui n’est pas une des moindre qualité d’un grand monsieur du clavier.
Classique et jazz ou la sculpture du son
Bien sûr le piano dont la préparation par la maison Giglielmi fut faite à la hâte – mais c’est héroïque pour un facteur de présenter un piano à un musicien pareil ! – battait de l’aile – déjà un ré peinait dans les una corda de Tchaïkovsky – mais son désaccord était beau parce qu’il était pétri comme l’argile de Rodin qui porte l’empreinte de son pouce. D’ailleurs le ter (après une berceuse de Rachmaninov) montrait cette relation charnelle du musicien avec le son. C’est une improvisation très écrite de Jazz et c’est un vrai jazzman qui joue en tant que son doigt ne fourni pas un son pour le son mais une prolongation de la pensée musicale. Dans cet espace de liberté, Denis Matsuev plaisante avec le public, imite les personnages de Tex Avery : sa main est un petit animal qui continue toute seule à prolonger un ostinato et lui s’impatiente en faisant de gros yeux. Un one man show : un maître de son public.
L’orgue puissant de l’improvisateur Wayne Marshall déroute un public néophyte (Vendredi 23 septembre)
Une répétition extraordinaire et pleine de liberté
Nous eûmes le plaisir de rencontrer avant le concert le grand Wayne Marshall en l’église du Sacré Cœur, orgue Cabourdin. Qui dit Cabourdin dit belles anches, car il fut le restaurateur de Saint Maximin, hérita du talent des Isnards par l’étude de leurs œuvres. Qui dit Cabourdin, dit tout autant talent des couleurs et défaillances techniques. L’orgue baroque ne supporta pas les assauts romantiques de toute une journée d’un organiste choisi par John Fox pour être la continuation du concert de la veille. Les goûts claviéristes du directeur artistique vont vers l’énergie bouillante. Heureusement un bon génie sous les conseils téléphoniques avisés du facteur François Delangue sauva l’orgue de la déroute in extremis.
Répétition fort instructive de ce chef d’orchestre improvisateur. Il commence par une improvisation, son style est un tel mélange d’influence qu’il est difficile de le décrire : continuation des symphonistes de l’orgue français, pâte géométrique des compositeurs anglais, polyphonie à la Bach, Jazz à la Gershwin ou Bernstein. Ses thèmes sont toujours beaux et traités à la manière d’une paraphrase d’opéra. C’est peut-être d’ailleurs un talent d’un compositeur d’opéra qui est caché derrière tout cela. L’orgue en effet a toujours flirté avec l’opéra (cf. critique du disque d’olivier Vernet). Puisque notre organiste fit des essais de prise de son, nous bénéficiâmes encore de nombreux autres plaisirs. Ce fut soit un prélude de Bach commencé normalement et finissant en swinguant, soit le fameux concerto en la mineur de Vivaldi métamorphosé : son incipit percussif devient un premier thème d’une sonate et le développement un second. Wayne Marshall ferait fureur dans un concert consacré aux œuvres inachevées de Bach car cette apparente désinvolture eût égard à l’achèvement des monuments musicaux est un plus grand respect que les interprétations intégrales habituelles mortes et figées.
Un concert sérieux et difficile
Nous étions donc persuadé que le concert serait superbe. Un contre temps nous permis d’assister le soir au concert, or quelle ne fut pas notre surprise de voir le public nombreux désaffectionner la prestation et abandonner pour moitié l’audition en cour de route. Cela s’explique par plusieurs phénomènes :
1°/ les gens sont venu pour la gratuité de ce concert dans le cadre du prestige du festival et non pour l’orgue, instrument difficile d’écoute ;
2°/ l’habituel public des concerts d’orgue de la région ne s’est pas déplacé - Preuve qu’un concert d’orgue doit se publiciser à part ;
3°/ le programme n’était pas étudié pour faire l’initiation d’un public peu averti - ce a quoi John Fox doit prêter attention s’il veut éduquer les auditeurs de Beaulieu à la qualité de leur propre instrument.
L’improvisation initiale sur la messe de Wayne Marshall fut très belle mais bien plus sérieuse et moins ludique que ce que nous entendîmes dans l’après midi. Le prélude et fugue en mi bémol de Bach démontrait les limites d’un toucher costaud : l’introduction pointée était convaincante dans cette façon grand orchestre romantique (ce qui compte est avant tout la musicalité du jeu), mais l’aspect lullien, la suspension du danseur dont le pied est sur terre et la tête tenue par un fil (celle-là même que l’on entend dans l’interprétation d’une Keï Koito) s’évanouit. Dans le développement c’est la finesse galante qui manque. Le potentiel « Renaissance » des fugues XVIIème siècle de Roberday sied mieux à notre organiste qui s’entend merveilleusement en texture polyphonique (c’est un chef d’orchestre). Mais en voulant défendre l’Angleterre, thème du festival, Wayne Marshall n’a pas satisfait le public : les œuvres de Parry étaient, à côté, bien moins inspirées et peu accessibles. Seul le grand talent de Widor était trés facile d’écoute mais c’était déjà trop tard pour les ingrats qui n’attendirent pas cette partie du programme.
Jusqu’ici le concert était trop sérieux : l’improvisation sur les thèmes de Stravinsky fut une bouffée d’air : sublime, elle déchaîna les mêmes violences que celle de Matsuev la veille mais avec une autre technique d’écriture, un autre son – l’orgue imitait à merveille la masse primale des danses du Sacre du Printemps, vraiment c’était faramineux et gigantesque ! Vraiment l’heureux bonheur que d’entendre Petrouchka à toutes les sauces ! Un triomphe de la vraie assemblée mélomane à l’ultime moment.
Conférence et concert consacré à Chaliapine plonge Beaulieu dans l’âme russe (Samedi 24 novembre)
Une conférence qui fit pleurer
Tous les concerts étaient précédés vers 17 heures de très belles conférences, très appréciées au demeurant par les berlugans qui confessaient avoir beaucoup appris. Faites sous la protection de Richard Cooper lui même conférencier, professeur et échanson d’Oxford, berlugan d’adoption – son fils, Alexandre, fut le photographe du festival – elles réunirent de grands noms de l’oraison musicale, comme les deux André, Segond et Peyrègne, ou l’écrivain Michael Nelson, et pour l’émotion de la tragédie des émigrés russes, le professeur de russe à l’université de Nice, le Prince Alexis Obolensky. De l’avis de tous, la conférence qui fut la plus bouleversante fut celle d’André Segond sur Féodor Chaliapine (1873-1938), où l’on entendit dans les si vieux enregistrements quel grand interprète est encore aujourd’hui cette incarnation de Boris Godounov. Les gens eurent une véritable émotion artistique digne du concert du soir.
Vladimir Matorine réincarne Féodor Chaliapine
Il fallait un grand musicien et en même temps un grand acteur pour rendre hommage au « divo ». Ce fut Vladimir Matorine à nouveau dans la salle du Casino. Ayant détruit tout l’ordre du programme suivant son inspiration et en grande complicité avec sa femme Svetlana Matonina, la pianiste accompagnatrice, nous parlerons du concert dans son impression globale en commençant par rendre un vif hommage au talent de pianiste de Matorina : raffinement, sensibilité vocale à fleur de peau et comme suspendue dans l’espace temps de l’audition, discrète mais si talentueuse !
L’acoustique de la salle belle époque du Casino de Beaulieu
Lui, dut chauffer sa voix. Avec la présence du public il réalisa partiellement que la position à l’intérieur de la scène des deux musiciens étouffait le son. Il ne bougea pas le piano pensant que le phénomène venait du décor. A l’entracte il prétexta une allégie au plantes bellement agencées par l’adjoint à l’aménagement des espaces extérieurs (Beaulieu est une ville de beaux jardins). Le décor enlevé, le concert sonna effectivement mieux. Ce problème d’acoustique fut traité différemment par les uns les autres tout au long du festival : l’école de Galina Vishnevskaya se plaça au devant de la scène, le quatuor Borodine ignora royalement le problème, situé dans une toute autre sphère psychologique, le trio Rachmaninov fit fermer le rideau de scène et joua devant pour optimiser la résonance, preuve de son exigence personnelle musicale, et notre basse Matorine joue d’une coquetterie de chanteur. Il est très amusant de voir comment fut traité ce petit un mètre cinquante qui faisait toute la différence et qui n’aurait pu gêné personne s’il fut traité par les organisateurs eux-même !
Un vague-à-l’âme de la Patrie
La première partie du concert fut très difficile d’accès sans les textes, mais le jeu d’acteur aidait l’auditeur. Tous les défauts de la voix sont ceux d’un grand professionnel qui a roulé sa bosse, les camouflages sont là aussi, mais tout cela fait partie de l’expressivité théâtrale au point que l’on ne put nier être finalement pris par le charme de cette voix non-métallique (ce qui est rare), ronde et chaleureuse. Pour dire toute la différence que donne le métier à une belle voix, parlons de l’air de la puce de Moussorvsky véritable révélation du festival. Le jeune Basse de l’école, ce lundi 19, faisait rire brillament, mais Vladimir Matorine fait grincer les dents, il est le diable, Méphisto : on comprend donc pourquoi les harmonies terribles qui nous troublaient ce lundi quand tous riaient : le portrait que fait de cet air notre grand acteur est donc bien plus complet et abouti.
La deuxième partie nous fit entrer dans le monde de la romance et de la chanson populaire russe et vraiment nous étions conviés à une soirée intime au point d’oublier le temps. Les bis firent du public les compagnons de voyage russes dans une auberge, avec le feu et la vodka. Matorine salut en plaisantant le comparse de scène, une statue assise vêtue à la russe, il se décoiffe, danse folkloriquement, joue l’histoire du traîneau et l’on entend dans la salle les émigrés et les russes actuels fredonner les airs de leur enfance, ! Vraiment les larmes viennent aux yeux de ce sentiment de la heimat (la patrie dans le sens de « chez soi » ou « maison »). Ce n’est pas un festival froid que celui de John Fox, des grandes sensations philosophiques et sociales sont passées dans l’atmosphère de Beaulieu.
Un spectacle de Marionnette assez lugubre amuse les enfants (dimanche 25 septembre, l’après-midi)
Nous passerons vite sur le spectacle de marionnettes en la place Marinoni. Le texte de l’histoire du soldat a vieillit et ne se trouvait pas bien de sa traduction pédagogique très théatralisée style Institut Universitaire de la Formation des Maîtres. Meilleur moyen de faire perdre l’attention aux enfants et aux adultes ! Un coup de jeune au texte, des tailles pour faire ressortir musique et dramaturgie, une meilleure symbolique visuelle et l’histoire retrouverait sa force psychanalytique obscurément terrible, non faite pour les enfants. Ceci dit les enfants était contents de voir la poupée (déjà très macabre d’aspect) démantelée à la fin, au bout d’une heure et demi de souffrance. Cette atrocité du diable serre encore la gorge et rappelle les horreurs de Chostakovitch entendue dans la semaine (la Russie n’ai pas philosophiquement sans poids). Tout cela était en dépit d’un spectacle « amputé d’une belle partie : lumière et décor ». Il est vrai que le sublime magnolia de la place ne pouvait pas rivaliser avec les banals tissus noirs du théâtre national des Marionnettes de Moscou. Même si l’on confesse avoir vu de meilleurs spectacles que celui proposé la sous la pluie, et au dire de certains des merveilles autrement plus intéressantes à Moscou même, c’était aussi un grand apport culturel de découvrir cette histoire majeure sous les fenêtres de Stravinsky même.
La culture populaire anglaise se parent de la perfection classique d’un grand orchestre militaire royal (dimanche 25 septembre, le soir)
Le feux d’artifice final plein de couleurs
Le feux d’artifice du festival fut donc au théâtre de la Batterie. Ce théâtre va être bientôt reconstruit en semi dur par un grand architecte pour la manifestation, il donne sur la mer. A Beaulieu elle est la plus calme du monde, un vrai miroir. Ce soir comme au début du festival il pleuvait. Les gens furent nombreux mais pas tant qu’ils auraient été souhaitable pour le dernier spectacle. La pluie n’est pas le propre des gens du sud et peut-être que l’orchestre de la garde Ecossaise de Sa Majesté la Reine Elisabeth II depuis trois jours a trop fait de belles parades pour assortir les inaugurations de plaques commémoratives en hommage à Igor Stravinsky, Anton Tchékhov (qui aurait été heureux de voir bâtir une école sur l’emplacement de sa demeure) ou pour la commémoration de la fin de la guerre mondiale. Plus de mille personnes sur la place l’après-midi, seulement quatre cent le soir.
Plaisanterie et professionalisme
Le Chef de la garde, le colonel Robert Owen, est d’une conversation très agréable, d’une sympathie totale avec le public et, ganté de blanc, d’une réelle autorité. Avec un anglais simple il arrivait à faire rire sur le mauvais temps même un débutant dans la langue. Tous ses soldats musiciens sont beaux avec leurs costumes rouges, leurs boutons brillants, les médailles. Chaque costume étant approprié à la place de l’instrument joué (les tubas ne pouvaient côtoyer les gros boutons des vestes). Le joueur de cornemuse, Graham Gray, professionnel jusqu’au renoncement de soi, égale les plus grands virtuoses en force et en justesse. Son costume avec un kit et le haut chapeau stupéfait de beauté. Le son de l’orchestre est parfait, comme un très grand orgue harmonisé par le fameux Gaillard. Le génie d’orchestrateur du colonel émerveille, les clarinettes et les flûtes faisant office de violons, les tubas de contrebasses, tandis que les trombones et les saxophones finissaient l’imitation de l’orchestre à cordes. Les cors alliés aux tubas et aux trompettes donnaient l’impression des vents, tout était au millimètre et certainement issus d’une grande tradition de composition pour les orchestre de plein air.
Musique du peuple, musique classique
Son arrangement en suite paraphrasée des chansons des Beatles puis de l’auteur de Jésus Christ Superstar est si habile que la musique passe dans le registre classique. On entendit les musiques des James Bond, mais aussi un concerto classique pour flûte (James Dutton) magnifique où l’on regrettait les vraies cordes – c’est la limite des transcriptions. On entendit les prémices du rock joué à quatre saxophones. Là encore quatre trombones (et le premier trombone réussiy incroyablement l’agilité jazzy sur un instrument bien peu précis)n des solos de tubas, de clarinettes… Tous le monde fut à la fête dans un mélange charmant, parfois même trop kitch avec les guitares et violons amplifier pour le folklore revisité. C’était grand public. La Russie n’eut droit qu’à une petite danse de Glière (c’est l’auteur des célèbres vocalises dans le style de Rachmaninov) mais pas la suite de Jazz de Chostakovitch (pourtant au programme mais omise) : c’était son jour d’anniversaire, l’occasion était manquée. Qui se plaindrait pourtant d’un tel gâteau quand il est parfait et qu’il détend de tant de musiques profondes et intenses entendues tous le long du festival ?
Une fin de festival dans la bonne humeur
En tout cas pour le public et les musiciens, le festival put finir dans une détente conviviale, pour beaucoup autour de bières, en anglais, à l’image de la sympathie des bénévoles qui se dévouèrent - et nombreux furent les gens qui sympathisèrent avec les gardes de sa gracieuse majesté. C’était vraiment un lieu d’amitié entre les peuples et le but que c’est donné John Fox (lire l’interview) touche infailliblement à sa cible : la « musique est ambassadrice », capable de transporter le palais de la Reine d’Angleterre et les Fastes du Tsar dans une petite ville au bord de la mer.
INTERVIEW
La musique est ambassadrice
Le festival que dirige John Fox chaque septembre à Beaulieu-sur-Mer allie hautes mondanités et simplicité villageoise, communautés étrangères chics et public abondant, programmation sur un thème pointu (Russie, Ecosse et Beaulieu) et plaisirs populaires, grandes figures de la musique et jeunes talents. ResMusica a cherché à comprendre les astuces et les dons psychologiques d’un directeur artistique incroyablement doué.
Comment vous êtes vous intéressé à la côte d’Azur et à Beaulieu ?
JF : Pour la première fois dans mon enfance je suis venu à l’âge de cinq ans. Je faisais mes vacances ici, on louait une maison à Menton. J’ai pris connaissance de la Côte d’Azur sur la plage. Après cela je suis revenu en 1991. J’ai été engagé pour participer à un opéra à Monte-Carlo. J’ai été ravi de revoir la Côte. En passant de l’aéroport de Nice à Monaco, j’ai été impressionné par les rades formées par le cap Ferrat. Plus tard j’ai été engagé de nouveau et j’ai loué une villa ici à Beaulieu, agrémentée du plaisir de voir la ville de ma fenêtre et les deux fameuses baies. Je suis très content et, depuis cinq ans, je partage ma vie entre Londres et ici.
Votre amitié avec Modler et votre travail à Monaco vous a incité à créer le festival ?
JF : J’ai beaucoup d’admiration pour le travail de Modler, connu à un niveau international, comme le petit nombre de ses prédécesseur, Gainsbourg par exemple, qui resta plus de cinquante ans à la tête de l’opéra de Monte-Carlo. Certainement qu’historiquement ce voisinage et celui de Nice a contribué à la vocation de Beaulieu de s’intéresser aux musiciens. Avant la première guerre mondiale il y eut un festival ici créé par un écossais, John Mavis. Cet homme avait fondé l’hôpital pour les anglais du Mont Boron et le festival à Beaulieu. Les russes et les anglais invitaient déjà les musiciens chez eux, dans les villas, et même la Réserve qui avant d’être l’hôtel prestigieux, était un restaurant, avait organisé énormément de concerts : Abbiate, le professeur du père Rostropovitch et berlugan d’origine, s’y est produit ainsi que son neveu. C’était une belle famille de musiciens. C’est tout cela qui m’a inspiré l’idée de faire un festival.
Pourquoi à Beaulieu et pas ailleurs ?
JF : J’ai crée le festival par hasard. J’ai dirigé plusieurs festivals à l’étranger, surtout dans mon pays de naissance. Ici j’en rêvais, mais ce n’est pas facile pour un étranger de trouver du travail en tant que musicien, car dans le domaine de la musique on cherche toujours ici à favoriser les français. Il y a trois ans, on fêtait le centenaire des deux églises. Je suis catholique, de temps en temps j’aime bien assister à la cérémonie anglicane. Le pasteur me disait « j’ai invité l’archevêque d’York à faire un office… ». je m’étonnais : « sans la musique qui accompagne un hôte d’un tel prestige ? » ; il me répondait en tendant les bras « John, c’est à vous ! ». Je propose à l’ensemble Tenebrae de venir pour l’office. Cela coûte cher, il faut donc équilibrer par un concert. Mais je pensais : « il faut un bon organiste ! », je demande alors à Suzanne Landale, elle accepte pour la messe et l’on double par le concert, petit à petit tout s’organise. Après trente ans dans la musique, avec mon réseau, je pouvais agir amicalement : « j’ai chanté pour vous souvenez, bénévolement, pourriez-vous vous produire pour moi même à un prix modique pour lancer l’affaire ? ». La première édition se fit avec un petit budget. J’ai sollicité le conseil général et, grâce à Olivier Zahuti (vérifier le nom demander à Renaud de téléphoner à John Fox pour cela), très anglophile, le conseil mit à disposition l’orchestre philharmonique de Bender qui fut aussitôt conquis par le projet. En mairie le docteur Legros, adjoint à la culture, très sympathique, et conscient de la valeur du projet, a offert cinquante pour cent de son budget annuel. Pour lui c’était un risque.
Et le rôle des ambassades ?
JF : l’ambassadeur de Grande Bretagne, celui de ce moment là, est un ami personnel. J’ai sollicité son soutien ce qui fut aisé puisqu’il est un fin mélomane et comprend l’importance des arts et surtout de la musique classique pour améliorer les relations internationales. Il savait que les musiciens peuvent être des ambassadeurs. Dès le début, il fut là pour le projet, il le plaça sous son haut patronage, mais aussi y assura une présence effective pour quatre jours. La ville l’a très chaleureusement accueilli. Il y eut un week-end où le déjeuner était fait de hauts ambassadeurs, évêques et préfets. Après, le Maire eut tout à fait raison de vouloir répéter l’expérience, de même que le Conseil Général. Il fallait garder l’axe franco-britannique, car les anglais ont une présence importante sur la Côte, avec des associations de mélomanes, des mécènes et l’attachement à l’histoire importante des deux communautés sur Beaulieu.
Mais le thème n’était pas difficile à renouveler l’année suivante ?
JF : J’ai eu de la chance, parce qu’il s’agissait de l’année du centenaire de l’entente cordiale. Chirac et Blair avaient signé des accords pour améliorer ces commémorations, la Reine rencontrait Chirac, etc. Ils avaient dégagé des subventions pour les projets, plusieurs milliers, dont fit partie mon festival. Il fut accordé à notre association le soutien des deux ministères et nous avons donnés les œuvres qui furent des créations françaises en Angleterre et vis versa, toutes écrites pour la paix durant quatre siècles.
Mais la marge de manœuvre a du se rétrécir pour le troisième festival ?
JF : J’ai trouvé ma solution pour la troisième année dans l’histoire même de la ville. Je me suis donc rendu à Moscou en janvier pour essayer de faire un partenariat avec l’Agence Fédérale de la Culture et Cinématographique qui s’occupe de l’exportation des artistes et de la culture russe. Elle accepta volontiers de se charger de la prise en charge des frais de transports. J’ai à Moscou fait la connaissance de plusieurs autres amis.
Y a t-il un rapport cordial entre les différentes communautés de Beaulieu ?
JF : C’est une toute petite ville, en surface la plus limité de France. Ses moyens financiers sont donc limités. Mais par exemple mon rapport avec l’ambassade d’Angleterre à inspirer les berlugans et c’est grâce à leur intervention que l’ambassade de France est venue apporter son soutien. C’est cela qui fit le point fort du projet : ce mélange des communautés. Par exemple quand j’en parlais en Russie à l’ambassadeur de France, tout d’un coup il fut converti et proposa spontanément son patronage et la mise à disposition du soutien de son conseil culturel, ce qui fut pas peu quand on songe à l’aide importante pour les contacts téléphoniques. Car en Russie ce n’est pas tout le temps que le téléphone marche et la poste quasi jamais. La difficulté étant aussi la langue, puisque les artistes ne parlent pas le français. Et grâce à l’ambassade de France en Russie, on a beaucoup eu de soulagements et évité de lourds labeurs.
Pour être plus précis, comment gérez vous l’alliage entre les mondanités et l’aspect villageois de Beaulieu ?
JF : Le conducteur c’est la musique, c’est cela qui fait l’interactivité. Tous se retrouvent sur les registres artistiques et culturels. En plus il y a le lien entre régions. L’année dernière, cela fut trés important et utile, la régionalité de l’affaire : la région Provence Alpes Côte d’Azur d’un côté, représentée par la ville de Beaulieu, et de l’autre la Région de l’Ecosse dont le Gouvernement nous a financièrement aidé. Mais aussi nous avons renforcé des liens sur le plan touristique avec réception pour les fonctionnaires et les politiciens. La volonté, c’est d’ouvrir l’aspect villageois vers l’extérieur. C’est bien que la musique soit capable d’être conductrice de tout ce qui arrive dans la ville, de regrouper et de renforcer les relations entre les communautés : la musique est un ambassadeur. Je vois la chose comme « ville et extérieur » « inter-région ». Si le festival continue, je chercherai des liens entre les départements et les régions des autres pays. C’est aussi très pratique pour obtenir les subventions qui permettent de survivre et faire les concerts de qualité.
Pensez-vous qu’un festival doit aussi attirer un public ayant un accès pas forcément facile à la musique, soit financièrement soit culturellement ?
JF : Bien sûr. ! Mon projet est éducatif, il est ouvert aux jeunes et d’accès facile à toutes les générations, même pour les personnes qui n’ont pas forcément les moyens d’acheter ! Ainsi j’insiste pour que le tarif soit le plus bas possible par rapport à la qualité des artistes comme le quatuor Borodine ! J’offre beaucoup de places gratuites pour les jeunes et les étudiants du Conservatoire, pour stimuler et éduquer, parce que, quand j’ai été jeune, j’ai eu la chance d’assister aux concerts et ça m’a donné l’idée d’être musicien à mon tour. Une quinzaine de place sur deux-cent c’est, je pense, déjà pas mal pour notre époque ? Cette année j’ai offert le Théâtre des Marionnettes pour les jeunes avec un chef d’œuvre, « l’histoire du soldat » de Stravinsky : un moyen de présenter la musique à des enfants de sept et dix ans de façon ludique. Pour les adultes et pour beaucoup de citoyens qui n’assistent pas aux concerts, je propose deux concerts gratuits environ et ils viennent. J’en rencontre au Grain de Café, et aux autres bars, je discute, je les invitent à venir. J’ai souvent envie d’offrir des places, mais je me raisonne, comme le tarif est déjà très réduit… Si je trouve quelqu’un de très pauvre et de très mélomane dans la rue, c’est sûr je l’invite ! Pour les personnes peu cultivées je prévois dans mes programmes de quoi les éduquer en les attirant par des choses simples : pour l’ouverture et la fermeture du festival surtout, c’est toujours un programme populaire. L’année dernière c’était les musiques de film de Maurice Jarre, cette année ce sont les arrangements des chansons de John Lennon et de MacCarteney, la musique de film des James Bond… et j’envisage pour l’année prochaine un concert de Jazz produit par les plus grands musiciens classiques. C’est bien de préserver un espace « facile » pour le public.
Comment procédez vous pour l’agencement des programmes et comment ferez vous pour que la thématique du festival ne s’use pas ?
JF : C’est un processus qui se développe peu à peu, je suis quelqu’un qui rêve beaucoup. Je prend beaucoup de temps pour réfléchir, je me tiens toujours ouvert, en alerte, je voyage beaucoup et les idées se forment d’abord dans le subconscient ensuite elle émergent. Pour la plupart du choix des œuvres c’est moi qui préside, en demandant naturellement ou en conversant au préalable sur le répertoire des artistes. Ce sont des amis et je connais presque toujours le répertoire saisonnier. Car les musiciens ont un ou deux programmes pour la saison. De temps en temps cela ne correspond pas, cela est arrivé pour le quatuor Borodine. Il me demander d’accepter Ravel et Dvořak. Peu à peu je les ai persuadés de jouer Chostakovitch et Stravinsky. Le pianiste voulait jouer toutes les Saisons de Tchaïkovsky, mais il était important d’attirer le public avec du Chopin, j’ai du expliquer qu’ici, ce n’est pas Paris ou Berlin ni Londres, qu’il fallait penser au public de la région, au thème du festival … et bien sûr aussi au répertoire des artistes. C’est un compromis ! Pour le concert à la villa Kérylos j’ai pu faire tout le programme par rapport au thème. Ravel au début est conforme à l’époque et à la beauté grecque du lieu, au temps que l’on commémore à Beaulieu, avant la première guerre mondiale, quand ces œuvres-là étaient données en même temps que celles d’Abbiate au restaurant de la réserve.
Votre attachement aux conférences ?
JF : Les conférences sont un moyen de faire ressortir les thèmes du festival, de faire comprendre la culture, les œuvres, etc. Elles sont là pour offrir au public un tableau et une atmosphère. Les deux André, Peyrègne et Segond ont une très belle capacité de transmettre.
Dans votre festival on voit les noms des grands, mais faites vous quelque chose pour les jeunes talents ?
JF : On essaie. L’année dernière un concert, cette année deux. L’Eiffel trio est un groupe de jeune talent que je défends mais aussi le Théâtre Lyrique de Galina Vishnevskaia. J’ai écouté vingt chanteurs et j’en ai choisi quatre. Je tiens toujours à entendre sur scène les musiciens avant de les employer, c’est une règle d’or. Le ténor je ne l’ai pas choisi. Galina a insisté, surtout parce qu’il est beau. Mais ce fut une catastrophe. Cela confirme que j’ai raison et qu’il faut toujours écouter les musiciens devant le public.
Avec une thématique si étroite, comment voyez vous l’avenir ?
JF : on peut toujours compter, si on garde cet axe, sur le soutien de l’Ambassade d’Angleterre et le Gouvernement. On peut attendre plus de soutien du côté russe, mais cela dépend beaucoup de la réponse de la Ville et du Département qui pour le moment ne fait pas énormément, les autres recevant bien plus. Mais c’est logique ! les gouvernements locaux font toujours bien plus pour ce qui est installé depuis longtemps. Pour avoir conscience des nouvelles aventures, il faut qu’ils attendent au moins trois ans et réalisent alors la qualité. C’est partout pareil. Pour l’instant on peut profiter surtout des soutiens internationaux et de la diplomatie, on gardera la part russe du festival qui est très enthousiaste pour notre projet. Le quatuor Borodine demande un projet pour le Concours Borodine où se présentent des jeunes trios, quatuors et quintettes. J’ai un autre projet, quelque chose avec la ville d’Odessa où pour le moment il n’y a pas de festival et c’est une ville avec une histoire et une grande tradition dont le pianiste Richter et plusieurs générations de violonistes.
Vous verriez aussi un lien avec un festival britannique ?
JF : Effectivement, car le pense que dans le climat économique actuel il est pratique de faire un partenariat entre différents pays. Les artistes aiment avoir plusieurs contacts et répliquer les programmes en plusieurs lieux. Je pense en effet : en France, en Grande Bretagne et à Odessa. Pour la Grande Bretagne on m’a proposé de remonter deux festivals. J’ai un choix à faire mais pour l’instant je ne peux pas en parler, cela reste secret.
Jean-Baptiste Lully(1632-1687) :passacaille d’Armide ; Les Songes Agréables d’Atys, Marche de la Cérémonie turque/Menuet pour les Faunes et les Dryades (Bourgeois gentilhomme). Nicolas de Grigny(1672-1703) : Hymne Veni creator : en taille à 5, fugue à 5, Duo ; Récit de cromorne, Dialogue sur les grands jeux.Louis-Nicolas Clérambault (1676-1749) : suite du deuxième ton : plein jeu, duo gay, trio gracieusement, basse de cromorne gay, flûtes, récit de nazard gayement et gracieusement, caprice sur les grands jeux gayement. Jean Philippe Rameau (1683-1664) : Les Boréades : entrée, entrée des Peuples, gavotte pour les Heures et les Zéphyrs, contredanse en rondeau. Jean-Féry Rebel (1666-1747) : Les élémens loure : la terre et l’eau – chaconne : le feu.Michel Corrette (1707-1795) : Feste Sauvage (tambourin). Marc-Antoine Charpentier (1643-1704) : prélude duTe Deum H 416. Olivier Vernet, orgue Dom Bedos. 1 CD Ligia digital, Ref. Lidi 0104154-05. DDD – High resolution. Enregistrement réalisé en récital le 29 avril 2004, en l’abbatiale Sainte-Croix, Bordeaux. Notice d’Alain Cartayrade. Durée : 68’20’’. 
Michelangelo Rossi (1601-1656) :Toccate e Correnti d’intavolatura d’organo e cibalo Roma 1657. Jörg-Andreas Bötticher, clavecin ; Enregistrement réalisé en juillet 2004, en la Chapelle de l’hôpital Notre-Dame de Bon Secours, Paris. 1 CD Alpha,Ref. 077. Notice Thomas Drescher. Durée : 78’19. 